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如果我们真的发明出了能够真正创造艺术的机器，

它是否会完全取代人类的创造力以及人类创造者？

如果那一天真的到来了，

艺术是否还需要人类艺术家来创作呢？

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Source: Primavera De Filippi’ s slides

首先，艺术家创造了艺术作品，随之而来的是观看/体验艺术作品的观众，艺术作品成为艺术家与观众之间间接交流的媒介，这整个过程都受到版权的保护。这个关系基于版权的基本结构：首先是著作权，需要一个特定的作者（author）且是版权的持有人。作者需要有独具原创性的创作概念，这需要非复制性的构思和制作，从而产生创作的行为。其次，艺术品，无论是实体作品还是虚拟的数字作品，都需要以某种可以被识别、被感知、被欣赏的表达形式。这便是普遍认为可受版权保护的主要因素。

科技的发展也让版权保护法不断发生着变革。版权的提出最早是为了激励出版商能投资更多的资金在文学印刷上，因为那时候借助印刷厂来复制文学作品是非常容易的。所以版权机制不仅更大程度保护了出版商的投资回报，同时也能防止作者之间互相抄袭作品，从而失去文学作品的原创性。在此基础上，版权法有了自身的发展，从出版商手中回归到了作者身上。

Source: Primavera De Filippi’ s slides

所以，人工智能艺术不仅仅涉及到传统的版权权利，同时还包括伦理权利，即谁是真正的创作者，以及谁能完整拥有这个作品的问题。为了解答这一系列问题，普里马维拉将以版权的三大基础去分析过去不同的技术是如何质疑版权问题，以及人工智能与之前相比有着怎样的变革。

首先，作者(author)。

Source: Primavera De Filippi’ s slides

2007年，普里马维拉做了一个关于版权研究的实验。在下图这张白色的帆布上，任何人都可以对其画上几笔或擦除一些东西。这种共创的作品需要创意共享的许可（creative commons license），不然之后利用这些作品是非常困难的，因为这些作品是随着时间而产生的，任何人都可以阻止这些作品的展出。互联网的出现，版权成为了艺术家们愿意合作和传播其共同创作作品的基础。

From Harmonograph - A Visual Guide to the Mathematics of Music (Ashton)

如果我们真的发明出了能够真正创造艺术的机械装置，并且得到更多的发展，它是否会完全取代人类的创造力以及人类创造者。这些因人工智能而研究的问题，其实早在19世纪谐波记录器的发明后就被讨论过了，是一个长期存在的问题。在没有明确的创作者的情况下，由机器生成的作品，其所有权应当属于这个机器吗？还是创造机器的人？或者机器根本就不应该拥有版权？

瑞士达达主义画家与雕塑家尚·丁格利（Jean Tinguely）以动能艺术（Kinetic art）创作闻名。这是一种以运动为特征的艺术形式，借助外部条件（如风）或不同类型的内部机械装置来完成的作品。下图是丁格利利用机器创作的作品，显然，丁格利是这幅绘画的创作者，但机器是否也同样拥有这幅画的版权？

Source: Primavera De Filippi’ s slides

我们不仅在与机器“争夺”版权，人与动物也有着新的共创关系。生物艺术（Bio Art）是人类与活组织、细菌、活体和生命过程相结合的艺术实践。艺术家在控制条件框架之下，让这些生物自行生长，交出发展方式的控制权。例如，艺术家Amy Karle利用人类干细胞的智力，创作出作品《再生的圣物》（Regenerative Reliquary，2016）。这是一个3打印的人类手骨架的形状，并将其浸泡在可生物降解的pegda水凝胶中。

Amy Karle, REGENERATIVE RELIQUARY,2016, 26 in H x 18.5 in W x 24.5 in D

艺术家Tomas Saraceno的系列作品《Webs of At-tent(s)ion》(2013)是将不同种类的蜘蛛放置在一个立方体空间中吐丝结网，在彼此的网络结构上搭桥，形成了一个纠缠状态的生态结构。这些作品的标题以蜘蛛的特征、品种、属性和名称命名。

(Sunset Over the Adriatic), 54 × 81 cm, painting made by donkey (Lolo) assisted by Roland Dorgelès.

Boronali’s donkey painting a picture，1910

同样的例子还有2014年，名为“Naruto”的猴子捡起了摄影师掉落的相机，为自己拍了一张照片。

Source: Primavera De Filippi’ s slides

计算机生成与计算机辅助生成的作品在版权上也有一定的区别。当我们利用工具协助创作的作品，我们无疑是它的作者，但是如果这个工具实际上在自主生成艺术品，那么这个版权问题就值得商讨。

对于需要观众参与的互动艺术来说，艺术家设定一个主题或概念，过程和最终的结果来自不可控的外部，意味着这是观众共同参与的作品。比如，约翰·凯奇（John Cage）著名的《4分33秒》（1952）尝试将乐团、观众和环境的随机声音引入到音乐中来。在这期间将会产生出的随机声音取决于创造声音的观众们，而非艺术家本人。

Source: Primavera De Filippi’ s slides

另外一个例子便是阿布拉莫维奇的行为艺术作品《Rhythm 0》（1974），她的身体似乎成为了一个画布，邀请观众使用她在桌上提供的72件物品之一对她做任何想做的事情。

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还有一类艺术家通过分享自己的创作理念鼓励他人进行创作。

Sol LeWitt – Lines of One Inch, Four Directions, Four Colours (set of 16), 1971, Lithograph on paper, 35,6 x 35,6 cm

Sol LeWitt – Instructions for a Pyramid, Galería OMR, Mexico City, 2017

基于索尔·勒维特的观念，普里马维拉进行了一项艺术实践，她创造了一个区块链生物（Plantoids）并赋予其植物的特征。Plantoids是一种机器人或合成生物构成的植物类植物，其外观、行为和生长方式均类似于植物。

Source: Primavera De Filippi’ s slides

它们需要借助加密货币来生长，当它们收集到足够多的加密货币来繁殖自己的时候，它们会向艺术家、设计师或任何人征集它们后代形态的提案。普里马维拉这个艺术项目是想要表明基于区块链的系统并不具有法人资格或法律能力，但它们仍然可以获得经济代理和智能合约能力。不管Plantoids的自主程度如何，它们仍然需要人们来实现其后代的设计。

普里马维拉希望在这个过程中最大限度地消除艺术家的形象，也就是她自己，最初的创造者。加密货币的交易以及Plantoids的繁殖过程都是通过最初设定好的协议完成的，普里马维拉不会掌控Plantoids收到的货币，整个繁殖过程也是其他艺术家创造出来的。然而，无论这个项目在展览上还是访谈上，普里马维拉仍然被认为是艺术家。因为她是整个项目构思框架和协议的最初创作者，她希望创造尽可能多的Plantoids，但显然她并不能自己独立完成这个项目。因此，当她提供了这些协议和指示后，其他人便愿意参与到这个过程中，创造自己的艺术作品。这些作品自然属于创作它们的艺术家们，但普里马维拉则是整个项目的总创作者。

由人工智能生成的作品是通过学习输入的数据、最初的图像和内容生成的，那么它能创造出新的东西吗？如果可以，这个新东西从哪里来？如果它不是通过复制或编辑过去的形式，这与艺术家的创作方式有什么不同吗？人类艺术家所拥有的灵感不也是基于我们过去所经历的一切而来的吗？我们是否可以声称人工智能不像人类一样具有创造力，因为它没有这种外部的灵感，也没有内部的灵感。一切都来自于它所设定的数据集。当然，当数据集变得足够庞大时，那么就很难识别出哪些东西是经过哪些数据而来的。

在约翰·凯奇的作品里，艺术实际上是一种概念。一首无声的音乐，一首只有外部噪音的音乐,这是一个天才的想法，天才的创造力。同样，将毛驴作画的行为概念是艺术，而不是它所创造的实际结果。因此，人工智能生成的作品也许应该关注在算法的设计上。

Source: Primavera De Filippi’ s slides

因此，我们也许正在面临一种新的艺术形式，一种将特定协议、特定条约或特定算法概念化的艺术形式——"作为协议的艺术"（Art as Protocol）。

Source: Primavera De Filippi’ s slides

矛盾的是，也许协议也并不需要版权的保护，因为协议的作用恰恰是让越多的人去运用这些指示，这样艺术家就会获得很多的作品，尽管这些作品并非是艺术家自己创作的。艺术家创造了算法，创造了协议，无论是利用人工智能、机器、其他人甚至是动物实际执行去产出作品，他们仍然是这个协议框架的一部分。

杰克逊·波洛克的画作可以看作是某种早期的协议主义，他创造出了特定的创作手法和过程。突然间，有人使用同样的手法去绘画，我们会认为他是在模仿波洛克的画作。因为艺术家已经将他的身份、个性和风格载入到了这个手法之中。所以，任何人使用波洛克的手法（协议）都是在帮助波洛克创造更多的作品。

普里马维拉认为”协议主义“也许是一个新的艺术运动。许多艺术家自很久以前到现在的人工智能艺术的开始，一直在试验这种新型的艺术实践，虽然它还没有被命名和完全认可，但我们仍可以称他们为 "协议主义艺术家 "。

Source: Primavera De Filippi’ s slides

显然，这场运动，根据其内在运作逻辑是与版权对立的。版权存在的意义是防止复制的，而协议主义是提倡对作品的再次创造、复制、编辑，最大限度地提高了复制率以便提升协议主义艺术家的创作能力。人工智能艺术涉及到的版权问题涵盖伦理、哲学、技术运用、技术开发、人员参与等领域。这使人工智能艺术中最精髓的原创创造力的版权归属，还尚未被完全定义且存在争议。传统版权的逻辑也许已经不再适用于人工智能艺术，甚至其他艺术形式，我们需要重审不同艺术形式需要被版权保护的核心是什么。这样，才能使版权发挥最大的作用，保护原创性的同时，还能使创造力不被束缚地释放。