艺术家，中央美术学院教授、博士生导师 

艺术家，现就职于中国艺术研究院

艺术家，现就职于中国艺术研究院

沫 · 美术馆馆长，“重启 · 无界”策展人

臧藝茜：从策展人的角度来谈，本次展览首先是希望通过艺术的方式，交流探讨如何在“后疫情”时代接纳种种变化，为重整旗鼓再次出发带来灵感和动力。其次，20世纪后至今，在全球化世界主义的文化语境下，国内外女性艺术家受到了前所未有的认可和超越。尤其在21世纪以来，中国女性艺术家越来越倾向于内在精神的“超越”：不是日常经验的简单模仿与再现，而是基于个体、朝向“人”的共性展开创作。其实，重启和无界还有第三层含义，即回归每个个体本身。不论是疫情所带来的社会变化，或者是女性带来的时代变化，其实回归到最深处都是每个个体的思维方式，看待事物的想法的变化。因此，最重要的还是个体如何能够接纳生活中的种种变化，能不断有勇气跳出自己的舒适圈，以更新的视角去接纳新鲜的事物。世界是无界的，每个个体的潜力也是无界的，我们希望通过展览呼吁观者能不断在周围飞速改变的同时，实现自我超越。

章燕紫：“重启”是疫情后经常看到的一个词。餐馆停业了，要重启；办公居家了，要重启；航班熔断了，要重启……重启，一般是指我们惯性的生活、生产方式由于各种原因被暂停后，在适当的时机重整旗鼓，恢复到原来的节奏。然而，艺术可以重启吗？在我看来， 艺术应该无时不刻不在重启中。当艺术创作进入了惯性状态，我们就应该反思自己创作的作用和意义。当然，此次沐·美术馆展览用了重启这个名字，我猜想应该也意指重启停滞已久的美术馆展览，重启艺术与大众的见面吧。

2020年 章燕紫在纽约

王霄：疫情深刻地改变了人们对世界和生命的认知，不论主动还是被动，我们观看艺术、做艺术的方式都在不断刷新。例如线上与线下模式的不断重新整合、这两年我参加了很多线上的展览，还有因为疫情导致工作环境的不断重启，这种困于都市、居室之中的隔离状态反而使得我对自然之物、自由之境更加向往，因此我的创作更加抽离于现世，以求得一份精神世界的卧游。另外对时空、生命的概念也有了不同的理解，这些都自然而然反应在作品中。

王霄《水的叙事诗No.4》

水印木刻（独幅）120x45cm  2022年

于瑜：大概几年来的疫情让人们实在太压抑了，大家都迫切需要一场重启。而在现实当中求不得时，便诉诸于艺术这种精神活动了。

于瑜《作为生命的绢-5》  40x88.5x5cm，

手工抽丝、刺绣、绢本手绘  2017年

臧藝茜：虽说最近几年国际国内有非常多的女性艺术群展，但是沫 · 美术馆并非因为大环境中有这样的趋势才被启发策划此次展览。在美术馆建馆之初，举办一场女性艺术家群展一直在计划之中。这场展览有三层含义：第一是希望更多地展现出女性视角的故事；第二是凸显出女性榜样的力量。在成长的阶段，大多数人都会找一个自己的榜样，此前，女性艺术家是很少的，所以当女孩子想去做艺术的时候，她们很难找到和自己相匹配的女性艺术家作为榜样来学习。而如今，我们有非常多的女性的优秀艺术家，我坚信本次展览展出后一定会鼓舞更多年轻人，尤其是年轻女孩，坚持对艺术的探索和创造。第三，我想突出的概念是，也可能是和很多别的女性展览不同是，并非是我为了特意办女性艺术家展览而选择了这几位艺术家。本次展览立意并不是只挑选女性艺术家而放弃了更合适的男性艺术家们，而是她们就是诠释主题的最好代表，只是她们“恰好都是女性”。

章燕紫：我确实参加过一些女艺术家群展，对此类展览的意义我没有太多的认识。我想，那是策展人对“性别”、“身份”、“女性主义”等的研究和实践，被邀请的艺术家应该是他们的研究数据吧。

王霄：受邀之初我并没有特别注意到三位艺术家的性别。多年前我在香港巴塞尔看到章燕紫老师的作品时就很喜欢，一直在关注。于瑜是我的好友和同事，我们经常一起交流艺术，她对艺术有自己很独到的见解。因为我们都是从传统语言媒介出发到当代表达这样相似的路径，同时对“无界”、“重启”的主题各自有独特、感性的艺术表达方式，所以一切似乎水到渠成。

目前不仅女性艺术家群展的增多，而且质量也越来愈高。这次展览不仅参展艺术家，连同沫·美术馆馆长、策展人臧藝茜女士、学术主持孙欣老师、执行馆长童晓芹女士都非常优秀的精英女性，这其实是历史进程的真实反映。

于瑜：这当然是女权主义运动的成果在艺术领域的一种体现，也反映了社会文明程度在不断推进。但就展览本身来说，还是要看作品和展览的立意，如果艺术家的女性身份对展览主题“生效”了，那么就是有意义的，如果脱离了作品，只是强调参展艺术家的性别的话，那我觉得真没有必要，女权诉诸的是“平权”不是“特权”。这次的展览关注的三个个案都是女性，也只是巧合而已，并没有刻意强调性别，这一点展览前言也已说明。

章燕紫：本次展出的作品基本都是围绕“痛”和“止痛”的一批老作品，《止痛帖》是其中之一。我从2013年起，陆续在进行这个系列的创作。这个系列中，有这样几个关键词：“帖”，在古代，字写在布帛上叫帖，我们常见的有请帖、碑帖、字帖、画帖，传统文化的传承，离不开这些帖；“痛”，即病，头痛、腿痛、心痛，带来难受、悲伤的都是痛，与之相关的止痛贴，这种中国传统的药物常用于瞬间缓解疼痛。在我看来，不论是身体的痛苦还是心灵上的痛苦，从人一出生起就伴随左右，每个阶段有每个阶段的痛苦，用以缓解痛苦的“止痛贴”也各不相同。我一直在寻找一剂妥帖的止痛贴，以慰藉心灵的不安。2022年，我闲来无事又画了一些独幅的，我以为和之前的会差不多，但是一旦画起来，似乎就由不得我了。一遍遍的水墨和颜色叠加，形象慢慢地模糊了，好像再也不会回到从前。

其实每个时期的创作，都是那个时期的思考，那个时期的重启，这也呼应了展览主题。我想，策展人选择呈现我这一系列的作品，应该是源于她对疫情肆虐的当下的思考和选择。

《透气》之一、二（局部）5x88cm 材料：朱砂、纱布，2015年

《止痛帖》，13x8cm，止痛贴、水墨、中国画颜料，2022年

王霄：近年来我的创作从水印木刻出发、之后融入了对工笔、水墨等传统语言媒介的当代实践。作品可以分三个阶段的“重启”。第一阶段是我早年在美院读书时，对水印木刻本体语言的创新探索，内容是有关个体与环境关系的一种超现实的、形而上的思考。第二阶段是工作之初几年，在繁忙的事务之余创作的工笔作品。这一阶段主要专注于对传统媒材、绘画技法展开更为深入和精微的实践。工笔画这种慢节奏的绘画方式可以使艺术家对自己进行一种很好的沉淀和洗礼。第三部分是基于之前两个阶段的艺术方法与思想观念的综合探索，例如作品《略带表情的风景》，最初源于我在美国匹兹堡的一次游历。在这座曾经辉煌的钢铁都市的角落，我感受到了没落的工业时代的颓败、荒凉的气息，与城市转型期平静表面下潜藏的不安与彷徨。画面中两个批量生产的模特被遗弃在一个虚无、孤独之境，在漫长的时空中滋长出了真实的生命形态，似真又假的表情难以描述，似乎在嘲笑，又无可奈何、难以逃离。

王霄《略带表情的风景》 110x70cm  纸本设色  2021年

于瑜：这次参展了两组作品，《作为生命的绢》系列和《36cm&2mm》系列。这两组作品分别是我两个不同创作阶段的起点，也有某种递进关系，都记录了我在原先创作框架下的突围，与主题“重启·无界”呼应。以《作为生命的绢》系列为例，我最开始是想做一个刺绣与绢本绘画的结合，在研究丝织品知识的过程中了解到，缫丝的过程需把蚕蛹杀死在茧中，以防蚕蛾破茧而出，破坏完整的丝线。这让我触动很大，没想到精致的丝织品背后是无数陨落的生命。于是我破坏绢的编织结构，从上面抽下丝线，并用这些丝线在绢上绣出蛾子的形象，让这一被人为中断的生命状态以破坏丝绢的方式显像。我想表达的是，当人类吟出“春蚕到死丝方尽”以歌颂蚕的奉献时，蚕其实只想完成的自己的生命历程，吐丝是其自身的生命需要，不是为了让人类织成丝绸。

于瑜《作为生命的绢-7》 62×52×5cm

手工抽丝、刺绣、绢本手绘  2017年

于瑜《作为生命的绢-6》 62×52×5cm

手工抽丝、刺绣、绢本手绘  2017年

《作为生命的绢-10》创作过程

章燕紫：一切艺术都有疗愈作用，对症下药即可。艺术创作的过程，是一个剖析社会、剖析自我的过程，过程可能会很“痛”、很“伤”，但结果却能够治愈自己，或是治愈他人，但这并不是艺术创作的目的。从疗愈的角度来看，无论是怡情养性的传统艺术，还是刮骨疗伤的当代艺术，激情或平静、抒发或发泄都是情绪的一种释放。

艺术创作必须真诚地面对自己，说真话，画真画。我们都在不断成长，成熟，甚至衰老，对世界的认识也会不断更新，如果说我的创作发生了“转向”，不如说我对人生态度发生了“转向”。所有的治愈都是暂时的，每一次完成作品，都会获得暂时的满足感，但也会伴随着自我怀疑、否定，就这样在纠结中迈向新的创作。所以可以说，艺术永无止境。人生，无药可医。

章燕紫《过量》 丝质衣袍、 胶囊  160×150cm  2017年

章燕紫《口罩系列（26-50）》  尺寸可变

水墨设色布本  2020年

 章燕紫《霜降》  24x30cm  综合材料   2022年

章燕紫《冬至》  50x50cm  综合材料  2022年

王霄：艺术的疗愈首先“疗愈”的是艺术家本人。天才与疯狂往往只在一念之间，也正因为有了艺术，诸多叛逆、无厘头的想法才有了名正言顺的理由。女艺术家创作中的治愈，更多体现在内心的修炼，以及抚慰焦虑的能力。女性艺术家往往需要不断地平衡传统价值观与自身理想、在世俗生活与精神世界间来回拉扯，如同将要溺水的人不断努力游到水面上透气。在这过程中艺术带给人的是一种强大的“形而上”的牵引力，使沉重不堪的肉身变得轻盈，烟熏火燎的心灵变得纤尘不染。

我想在后疫情时代，艺术对人的“疗愈”功能，源于它能够无限接近真诚、深刻的人类情感，接近混沌宇宙的奥秘。因此它也将成为这个不可预测的时代中，一片非常珍贵的净土。

王霄《略带表情的风景之人型石》水印木刻（独幅）纸本 2014年

王霄《早春图－1》 97x155cm 

水印木刻（独幅）纸本  2021年

王霄《彼岸花》 44x78cmx2幅  绢本设色  2017年

王霄《坠梦》 66x88cmx2幅  绢本设色  2017年

于瑜：中国自古就有“巫医不分家”的说法，所谓“巫”的部分其实就是心理疗愈，通过心理暗示的方法帮助患者减轻病症，甚至有些本来就是“心病”，实施心理干预就能治好。我觉得“艺术疗愈”就是属于这一范畴，只不过方法不是做法跳大神或常规的心理疏导，而是借助视觉原理或一种艺术思维去进行有效的心理干预，使观者感同身受，从中汲取到能量，从而达到治愈的效果。我也有关于“治愈”的系列，只不过这次没展，就不在这里多做赘述了。

于瑜《星期日的光-1》过程图

于瑜《星期日的光-1》 60×80×6cm

手工抽丝、刺绣、绢本手绘  2020年

臧藝茜：2022年夏天在欧洲的三个月时间让我感触颇多，其中印象最深刻的一件事发生在阿姆斯特丹的市立美术馆，也就是他们的现当代美术馆。由于疫情管控，我可能是来到这里的唯一一个亚洲人。当时有一个展览叫做《明天又是不同的一天》（Tomorrow Is Different Day），和重启的概念有非常多异曲同工之处。我在一件名为《身处这世界却并不了解这个世界》（In the World but Not Know the World）大型装置面前停下了，这幅作品使我想到了疫情，想到了科技飞速发展的时代下真实与虚构的疏离感。与此同时，在看到无数个风格迥异的元素碎片仍紧紧拼接在一起时，我感受到了人类共同体的团结力量。突然，我发现离我大概好好几米远，也在这幅画面前，一个白发苍苍的白人老爷爷也在静静注视着这幅画。我开始去想，在他脑海里，这幅作品让他想到了什么？二战，疫情，或许他也一样和我被治愈了。但这其实都不重要。当我们在共同欣赏这幅画时，好似跨过了种族，跨过了时间，跨过了语言，甚至跨过了一切距离。我们两个人都戴着口罩，我看不清他的脸，这种感觉就像是我们离得很远，但其实又离得很近。这是一种非常神奇的力量，也是只有艺术才能带来的能量。在现在的后疫情时代，我们的社会其实经历了非常多大大小小的变化，让人彷徨无措。而我认为艺术是最好的媒介，也是我想通过本次展览传达的一个愿景，希望艺术在治愈大家心灵的同时，带给大家力量和启发。希望艺术在超越现实的束缚的同时，鼓励大家能在一次次变化后重整旗鼓再次出发。

章燕紫：传统与当代是个老话题，任何时代都会去讨论。对我来说，瓶颈与挑战永远都存在，摆脱自己给自己的束缚是最重要的。传统就像我们的基因，出生即拥有，无法摆脱。但我们未必真正了解我们的基因，我们的传统，所以，尽可能去补补课，去理解体会古老的东方是如何认识世界、认识自我的。

当代，是全球语境下的政治、经济、军事的大国角逐的时代，是互联网高速发展下的虚拟世界、元宇宙等多维空间并行的时代，是高科技带来的数字化、无人化的人工智能时代。为了适应这个时代，我们传统的基因一定会自动升级。艺术创作也一样，基因突变也许就是一种突破。

章燕紫《立夏》 75x45cm  综合材料  2022年

章燕紫《秋分》 60x42cm  综合材料  2021年

章燕紫《大雪》 50x60cm  综合材料  2022年

王霄：不同阶段会有不同挑战。传统艺术的技术门槛通常是比较高的，一旦熟练掌握，又很容易掉入技术的“陷阱”，于是技术与情感的博弈会成为瓶颈。例如水印木刻要做得宏大饱满又细节精微，需要精心设计、步步为营，但这样又很容易丧失最初的感觉和神采。所以我认为，当艺术家对传统技艺剖析运用到一定深度时，要学会“逃离”。这种“逃离”并不意味着放弃，而是从另一个角度去反观，甚至将自己重新洗礼一遍再深入。我接下来将要进行的一些实践，将把传统艺术语言当作一个个极具活力的支点，借此引申出不同议题，展开对历史、文化以及现实层面的多维交叉探讨。

王霄《一颗枯石》28x28cm  绢本设色  2017年

王霄《水的叙事诗No.3》120x45cm 

水印木刻（独幅） 纸本  2022年

《猎人的三次方》 绢本设色  25 x 17cm  2022年

于瑜：我硕士的研究方向就是“传统资源的当代转化”，要做到传统语言与当代精神的贯通，要求创作者既深谙传统文化又深刻体察当下，这需要大量的阅读和思考，才能保证一个有质量的输出。但对我来说，创作中最大的困难是视觉呈现部分，我通常是根据创作观念的需要去选择最贴切的媒介和表现语言，以至于我不同系列的作品之间视觉呈现上悬殊很大，而每动用一种视觉语言，从设想，到实操，再到最终能够成熟地表现，中间要经过大量的实验、总结和打磨，我不是掌握了一种表现语言就一直运用到底的那类创作者，虽然工作量会因此成倍地加大，但这也是乐趣和成就感的来源。

于瑜《Not just silk-2》 118×80×6cm

绢本手绘、手工抽丝、彩色镜面  2021年

于瑜《36cm & 2mm》 1' 20''  单频录像  2021年（视频截图）

于瑜《36cm & 2mm》衍生装置及局部

45×95×5cm  取卵针、气球  2021年

臧藝茜：对于中国传统的关注要感谢父母的引导，他们觉得作为一名中国人，如果连自己的文化都不清楚，怎么能更好地学习别人的文化？所以他们在我很小的时候就耳濡目染地教我，我也在太极和茶道中感悟到了中庸之道。

我目前就读于宾夕法尼亚大学，作为校友的梁思成和林徽因在这里的经历激励了我开始在异乡反观中国传统文化。他们在宾大读书期间深刻探讨了中西艺术的相通性，并尝试将中西方文化融合并将所学带回中国，这其实正是我想做的事情。在宾大的博物馆中陈列中著名的《昭陵六记》其中一记，不少国外学者慕名前来参观。当他们伫立在中国艺术品前陶醉的欣赏时，一种使命感和自豪感油然而生。世界上没有完全相同的两个人，我们能做的就是求同存异，尤其在全球化趋势下，只有合作才能共赢，也才能有互相进步的可能。艺术交流是超越语言，种族和国际的。所以，相互学习非常重要，但要用批判性的眼光取其精华去其糟粕。文化都是相通的，学习其他文化也更有助了解自己。

臧藝茜在世界各地看展

“重启·无界”展览现场

采访人：周纬萌、孟希

*图片由受访人提供

“重启 · 无界”艺术家专访

章燕紫：艺术永无止境，人生“无药可医”

“重启 · 无界——章燕紫、王霄、于瑜三人作品展”

展期：2022.8.13-2022.10.13

地点：沫 · 美术馆

策展人：臧藝茜

学术指导：孙欣

艺术家：章燕紫、王霄、于瑜

主办单位：合肥荣宝祥文化发展有限公司

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