艺术家罗敏在北京十王府呈现的个展“春晓”由周颖策划，已经开幕了近两个月的时间。这场线下展览可以对外开放十分难得，也让架上绘画在这样一个充满不确定性的后疫情时代，成为了锚定人类心灵的坐标。

从中国西南的祖宅、首都北京与异国的繁华都市，花花草草和扎实的油画语言始终与她相伴。在这三个地区的穿梭中，罗敏以她对艺术的敏感性不断地表达着对于自身文化传统的认同与对于时代变迁的感悟。在问及她在这三个地方的创作创造时，罗敏这样说：

“回成都我有回家的感觉，一方面可以陪同一下父母，也可以画尺寸相对大的画（因为成都的画室相对较宽敞），但一幅大画需要往返几次成都才能完成，所以会拖到跨年或者更久。”

“在北京我就回到上班族的生活。上午在家做早餐吃早餐收拾好，再开车去后沙峪的工作室，时间是上午10点左右。到工作室的第一个小时，是我比较惬意的，喝一杯咖啡或者茶来提神，胡乱放上音乐，躺沙发上刷一下手机，缓解早上噼里啪啦家务活儿和开车的紧张情绪，11点到下午三点半是工作时间，然后磨蹭一下、洗笔打扫一下，四点多开车回家做晚餐，基本天天如此。有时候为了弥补工作效率低下带来的心理压力，会在晚上9点到11点在家里阳台布置的一间小画室画画和写字。那些纸本作品都是用晚上的时间画成的。”

“在纽约更简单，买菜做饭几乎天天，看美术馆定期，画画每天有3小时左右，相对有多一点的时间陪家人去散步去海边，很安静但跟这个城市有疏离感，但这种疏离感正好给自己一个真正清醒思考的空间。”

在罗敏的叙述中，可以看到艺术家创作大多数是在一个松弛的氛围中完成的，作品的尺寸受城市的影响较大。也正是由于罗敏这些年往返于不同的地方，所以她感觉到“时间被切割了，有时候我都很恍惚地站在作品前，想不起是何时画的”。于是，艺术家开始在画布上记录下了很多创作的时间，形成了此次个展中的“隐秘的时间和线索”系列作品。

以描绘花与叶为主题的“花间集”系列作品是此次展览中的重头戏，其余的作品也是以表现花鸟为主。这些作品往往都有一个灰色的调子作为背景，但是其中也有很多变化，花的描绘笔法快而直接，形成了一些斑驳的感觉。花朵模糊的细节与对于鸟的轮廓简单的勾勒，很容易将观者带入一个看似熟悉的记忆现场，好像一切尚未发生，但是却又浮现在眼前。这样，罗敏的绘画就成为了一个记忆的临界点，多重时间在此交汇。

因此，罗敏作品中的绘画性可以看作是一种对于记忆的书写，这里包含着她的个体记忆、文化记忆、自然记忆，混杂着不同的文化、传统和场域。而作品的主题——花也是一种容易衰败、枯萎的植物，正如罗伯特·弗罗斯特诗句：“鲜花是自然的初芽，绽放却难恒久。叶叶凋萎，片片散落。”，以及陆游诗句：“零落成泥碾作尘,只有香如故。”罗敏的作品传递出了一种易逝性（ephemerality），在绘画中链接了生命的过去和未来，讨论诞生、存在与衰败的问题。

罗敏的作品中既可以看到油画那种厚重的笔触，也能看到纯粹的线条。那么这种勾勒画法，是追求一种油画未完成的感觉，还是借用水墨画的白描笔法？对于这种效果，罗敏这样说：

“构图的散点化和颜色的固有化是我很看重的，我觉得它们是可以绕开西方古典主义和中国学院体系教育的两道门，跨过这门，其实你可洞见的除了中国传统的东西之外，在那里还并存着中世纪及之前的绘画方式。这两种方式是有融合的，线是绘画最初的样子。”

从罗敏的话中可以看到，人们不应该用东方和西方的两分法去理解她的作品，她实际上是从绘画的发生角度去关照世界上的艺术，她也这样说道：“中国书画这个概念是一个伪命题（个人的看法），我看传统的书画跟看中世纪绘画一样，不带有区域性或者偏见，我只看到吸引我的地方，比如黑色（墨）的丰富变化、造型的趣味、材料的魅力（纸的不同以及时间给纸本身带来的变化）。所以水墨也好油画也好，对我来说就是材料的不同。不同的材料就要想办法突出它材料的优长，不同材质的作品可以丰富自己的工作体系。”

所以在罗敏的作品中可以看到诗性，不论从何种文化都可以撷取对应点。作品的意象也是既可以看到中国传统画论中的那种“逸笔草草”，也可以看到西方艺术大师作品草稿中的那种率真和准确；既可以看到古代花鸟的一些构成形式，也可以看到西方现代艺术对于构图的处理方式。罗敏的作品是有辨识度的，她对于自己创作的探索这样说道:

“20年前我特想画得很‘牛’、技术很强大（可能跟当时在部队的创作环境有关），10年前我迫切地寻找自己的所谓‘风格’，把美术史的流派都过了一遍，今天，我看到了各种各样的东西，知道了自己只需要像自己，那些虚悬的、跟自己生活和感受不同的都不是一个成熟艺术家的样子，而且自己也经不起那样的折腾。” 

罗敏在艺术史的给养中感受着不同文化、不同时期的审美趣味，她笔下所表现的自然意识与文化意识，统一在对于生命、生活的感受之中。罗敏的创作是一种“物我”“生命与生命”“艺术家与艺术史”的对话，所以策展人周颖在这次个展的前言中这样写道：“我以为罗敏沉浸在观察和描绘这个熟悉‘客体’的过程中，随着时间的推移和个体情绪的变化为画面注入了她另外一种‘花语’。长期以来纠结于当代艺术作品中‘文本式’的解读方式在此刻乏力！”   

艺术家的创作总会被各种机构的话语所纠缠，所以策展人周颖才指出当代艺术作品‘文本式’的解读对于罗颖的作品是无效的。但是可以肯定的是，罗敏的作品是当代的，在架上绘画的思维模式中有一点点突破，她付出了很大的力气。当然，这种当代性并不是传统与现代的叠加，抑或是一种博人眼球的创新，它一定是从自我的意识中生长起来的，艺术家的心性体现在作品之中。而对于绘画中的“传统与现代”“东风与西方”“当代艺术”概念，罗敏是这样看待的：

“从个人的角度，我不太认同所谓的‘挪用’，就是把古代和西方的照搬，成为自己的。这样当然相对容易，容易使自己的作品快速地‘貌似’什么，容易让自己感觉进入了所谓‘美术史’的某一个位置，容易让作品看起来更像‘作品’，但这些事情不是一个真正的艺术家该有的心理。在中国，艺术家、机构和藏家，都在制造一种产销流水线，但这种流水线其实只是内循环。围绕这种循环的就是把‘圈子美术史’讲好。艺术家是需要跟这些东西保持距离的，保持警醒做好自己的事，哪怕你的工作看起来是多么的不合时宜。”

在2022年，生产力、战争、气候、疫情等因素所引发的社会关系变迁已经愈发明显，特别是肉眼完全捕捉不到的病毒越来越让人们感觉到，即使是最先进科学技术面对上述问题都显得无能为力。所以，人类期待着一丝救赎，而艺术的作品就在于此。罗敏的作品在后疫情时代为人们理解生命提供了一个新的视角，她笔下的植物和动物让疲惫的人们看到了自由的生命，还有无尽的远方。

罗敏

毕业于西南师范大学、解放军艺术学院，获艺术硕士学位，现任北京画院专职画家，国际一级美术师，中国油画学会理事。曾在亚洲和欧洲多个国家举办过个展和联展。现工作、生活于北京和成都。

周颖

作为上海廿一当代艺术博览会（ART021)创始艺术总监，执行委员会成员；开创保时捷中国青年艺术家提名奖，并执行策划人。在2021疫情期间将贝氏艺讯（The Baer Faxt）带入亚洲藏家视野。自1993加入北京红门画廊后深耕当代艺术近30年，是从2002年开始的798艺术区最早的入住机构创业者和园区最早的开拓者之一。

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