普通人未必会因为“数字艺术”四个字反复买票，但会为一场重要比赛、一位喜欢的偶像、孩子感兴趣的恐龙、一次特别的约会，或一场城市节日走进这里。

成都热浪翻涌，我再次走进东郊记忆。

今年6月12日，由世界知名数字设计公司d’strict打造的沉浸式数字艺术展示空间「浪美术馆」，在经过三年的运营后正式升级为ARTE MUSEUM成都国际数字艺术馆，并且以“PINK MOON”为全新主题对11个展区进行优化、加入6个全新场景，首次将韩国江原馆、韩国丽水馆和阿联酋迪拜馆的3件巡展作品引入国内，解锁更为崭新的视、听、嗅三重沉浸式感官体验。

过去几年，因为编写《数艺双年鉴》，我陆续体验过国内的多个或临时或长设的数字艺术展览，也持续关注d’strict的案例，对巨幕、光影与空间共同创造的感官震撼并不陌生。这次来到完成主题焕新的ARTE MUSEUM成都国际数字艺术馆，第一感受仍然强烈与直击：

在这片仿佛异世界的低照明度空间里，保留了经典的“最会造浪”无极瀑布，而后是粉色月光铺满丛林与海洋，玫瑰盛宴从墙面一路蜿蜒蔓生至脚下，粉色的巨鲸在浪潮中跃起……这种细腻、浪漫又极具出片感的视觉表达很容易击中女性观众，我忍不住边走边拍，自由穿越多个展厅，与林中跃起的灵巧小鹿通过绘画交互，与蹲在月球上粉红剔透的小兔合影留念。

真正有效的沉浸，就是观众不再寻找屏幕的边界，也不再细数空间里藏了多少台投影机，而是自然而然地相信，自己确实站在一片被粉色月光笼罩的数字创造的自然之中。

但是，与馆内丰富饱满的感官体验相比，当天入馆的人流却不算密集。这不免让我产生一个疑问，是“数字艺术”四个字仍显得过于高高在上，还是没有实体藏品的展览方式，尚未完全进入大众的文化消费习惯？

《粉月盛典 PINK MOON FESTA》的焕新，证明数字艺术馆并不缺少制造震撼的能力。可市场真正需要寻找答案，是当第一眼的新鲜感褪去，它如何让更多原本不关心数字艺术的人走进来，并愿意再次回来？

「一场巨浪让世界看见d’strict」

时间回到2020年4月。

韩国首尔COEX K-POP广场的巨型户外屏幕里出现了一场仿佛随时会冲破“玻璃箱”的海浪。

这块屏幕宽80.1米、高20.1米，原本只是承担着城市商业传播的基础功能，但是在这一天，d’strict旗下艺术创作单元a’strict利用裸眼3D视觉错觉，将L形巨屏转化为盛满海水的巨大容器。

海浪不断积聚、翻涌和拍击，却始终被限制在这个虚拟空间中。路过的观众，明知眼前没有真实的水，也依然会在巨浪冲来的瞬间产生面对冲击的本能反应。

《WAVE》的意义并不只是一场成功的裸眼3D展示。它让数字标牌第一次被全球观众广泛感知，这就是城市公共艺术！数字内容不再只是依附于建筑的装饰，在这一刻成为重新解释建筑空间的力量。

同样是在2020年，d’strict在韩国济州岛开出首家ARTE MUSEUM。此后，从济州走向丽水、江原、釜山，并进入成都、拉斯维加斯、迪拜和纽约。2023年，成都馆作为d’strict在中国内地开设的首家ARTE MUSEUM，落地东郊记忆。

从一面被全球看见的城市屏幕，到一座可以被身体进入的数字艺术馆，d’strict完成了从制造传播奇观到经营空间体验的延展。但也正是在这个过程中，数字艺术行业迎来了更难的下一道题。

《WAVE》解决的是如何在几十秒内抓住全世界的注意力，ARTE MUSEUM面对的是一个更复杂的问题，也是我们在上文提到的这个问题，当大空间投影和沉浸式光影不再陌生，一座数字艺术馆如何让观众在第一次震撼之后，仍然愿意回来？

「市场不是不需要沉浸，

  而是不再只为“沉浸”买单」

过去几年，3D Mapping、沉浸式影像、互动装置、裸眼3D等等快速进入文旅夜游、商业综合体、博物馆、品牌发布会甚至餐饮空间，尤其是在北京、上海、深圳等潮流的一线城市，“被光影包围”已经从一种小众稀缺的体验，变成越来越常见的空间语言。

与此同时，抖音、小红书等平台对数字艺术作品短视频的传播效率也在大幅提高，这就压缩了曾经是小众震撼的“视觉奇观”的新鲜周期。一个展项可能在几天内就已经被全国观众看见，也可能在人们真正走进场馆体验之前，就已经在手机屏幕提前看完。

数艺网作为一个数字艺术产业服务平台，在这几年深刻感受到行业的挑战正在不断发生变化：

过去展览方擅长的是策划、施工、调试和交付，考量的是设备的持久性、耐用性与整体稳定性。

常设场馆真正需要的，却是市场营销、内容排期、客群分层、会员运营、IP合作、城市联动、非门票收入等。

上海teamLab无界美术馆与北京teamLab无相艺术空间先后结束运营，也从侧面提醒着行业，即使是全球头部数字艺术品牌在国内运营大型常设空间，也需要持续回答内容更新和本土化经营的相关问题。

当然，这并不意味着沉浸式数字艺术在中国，正在退潮。

恰恰相反，它说明市场已经从“有没有”走向“好不好”，在从“一次”走向持续。市场不是不再需要沉浸，而是不再愿意仅仅为“沉浸”买单。

「普通人需要的不是数字艺术，

  而是走进来的理由」

除开我们行业内的人，当我询问身边普通朋友时，“数字艺术”在很多人眼中依然带有距离感——数字艺术到底是什么？它听起来专业、前沿、高级，似乎需要一定艺术审美知识才能理解。

但大众并不排斥数字体验，尤其是在年轻人聚集的城市。

人们愿意为一场重要比赛，一位喜欢的偶像，孩子感兴趣的外星人和恐龙，一次特别的约会，一场音乐现场或一个节日，走进沉浸式空间。真正的问题不是如何向所有人解释什么是数字艺术，而是如何让数字艺术成为大家放大兴趣和抒发情绪的方式。

d’strict自己已经在纽约尝试这一方向。据了解，在2026年世界杯期间，它在纽约洛克菲勒中心HERO空间呈现的多感官项目reSOUND New York已经在利用原有的墙面影像、沉浸式视觉和4D环绕声，举办世界杯半决赛和决赛观赛活动。来到这里的人首先是为了足球，而不是为了理解数字艺术。但也正是数字艺术空间，让普通的赛事直播变成更接近球场氛围的集体体验！

类似变化也在全球其他沉浸式场馆发生。我在近期搜集《数艺一周》资讯时发现，伦敦FRAMELESS每周五、周六设置固定夜场，通过音乐、饮品、DJ等将日间艺术体验转换为成年人的夜生活产品；美国Meow Wolf在日间亲子参观之外，持续推出面向21岁以上的成人夜、音乐会、舞会、工作坊和社区活动；伦敦Lightroom的内容从大卫·霍克尼扩展到登月、Vogue时尚、恐龙和David Bowie，尝试用不同IP分别连接艺术、科技、亲子、时尚和音乐人群……

国内也在变化，上海西岸油罐艺术中心提供了另一个中国样本。它从设计之初就不是“只能悬挂作品”的白盒子，而是一组可以容纳展览、音乐、餐饮、品牌活动和公共生活的灵活空间。近年的艺术不眠夜、春日艺术节则继续把音乐、新媒体、表演、餐饮和夜间开放带到其中。

这些案例共同指向一种变化，数字艺术馆不必放弃艺术身份，可以从一件固定内容的产品，变成可被不断调用的城市文化空间载体。

「成都馆的本土化，

  不只是加入成都元素」

在本次参观中，我和ARTE MUSEUM成都国际数字艺术馆馆长刘君也聊了很多。她向我介绍，早在开馆时成都馆就已在内容里加入竹林、动物和《色彩中国》等本土化的表达。但三年运营也让团队进一步意识到，全球内容体系进入一座中国城市后，仍然需要根据本地的游客结构、消费习惯和东郊记忆的园区生态做出持续调整。

真正的本土化，不只是让作品里出现熊猫、竹林、川剧或三星堆，而是让场馆的内容、营业时间、票务产品、合作伙伴和传播渠道，都与东郊记忆、甚至是与成都人的真实生活发生关系。

东郊记忆不是一个单纯依靠外地游客的景区，在去年的《数艺双年鉴》中我也着重写过这个城市更新的爆款案例——它是成都最具代表性的青年文化场域之一：音乐现场、戏剧、街舞、潮流市集，主理人店铺、二次元活动和青年夜校，这些年轻的场景在这片场域不断发生，每年呈现上千场演出及文化活动，超过5000名年轻人在这里就业、创业。

也就是说，成都馆并不缺少潜在消费人群。真正需要解决的是，怎样让这些已经存在的人，愿意持续从馆外走进馆内？

对话了解到，ARTE MUSEUM成都国际数字艺术馆目前是19点左右结束日间运营，但东郊记忆的年轻消费人群恰恰在傍晚后变得活跃。一座拥有5000多平方米空间、近百台巴可投影机和完整声场系统的数字艺术馆，如果晚间只保持关闭状态，意味着这套高投入的基础设施仍有大量时段价值没有释放。

因此在交流中我们也在探讨，如果展馆能分成三层结构运营，第一层保留日间的ARTE MUSEUM成都国际数字艺术馆；第二层是独立运营的ARTE NIGHT，为夜间人群重新设计，比如周五、周六晚间可以围绕K-pop、视听艺术、电子音乐、成都RAP、电竞观赛、游戏IP、声音疗愈等等形成不同主题；第三层是品牌与IP合作，通过新品发布、沉浸式首映、官方粉丝活动、企业包场和定制视觉内容，拓展门票之外的收入来源。

更重要的是，这些活动不一定从全馆改造开始。ARTE MUSEUM成都国际数字艺术馆500平方米的“花园”大空间，有着拱门和高台、沙发等错落有致的高低场景，并且已经部署4台巴可G62和28台巴可UDM系列投影机，有着出色的画质、精准的色彩、稳定的亮度。既然可以完美呈现自然景观的细腻变化，那是否也能优先作为内容切换和夜间产品的试验场？

场馆也不必以独立租户的方式单打独斗，如果可以与东郊记忆其他演出场地、街舞机构、主理人品牌和餐饮共同设计一条夜间消费路线：观众先在数字艺术馆参加视听活动，再进入园区观看演出、用餐或消费，破圈也许能碰撞出一系列不一样的反应。

当然，数字艺术馆也需要守住边界。它不应该变成什么活动都能承接的普通场地，所有体育、音乐、游戏和商业活动，都必须经过数字视觉与空间体验的重新创作，形成只有在这里才能成立的内容。

「当空间开始切换内容，

  技术价值也被重新定义」

在ARTE MUSEUM成都国际数字艺术馆的“繁花”展厅，37台巴可G62共同构成360度环绕的花境；“花园”大主题空间使用4台G62和28台UDM系列投影机。整个5000多平方米的场馆内，近百台巴可投影设备共同支撑画面的连续呈现。

普通观众通常不会主动辨认设备型号，也不会讨论流明、色域和维护周期，却会用最直接的感受作出判断：白色是否干净，暗部是否也能保留细节？拍照时不同墙面的色彩是否一致，转角和拼接处是否让人体验时出戏。

当场馆从固定展览扩展到实时视觉、音乐演出、赛事直播和品牌活动，投影系统也从展示设备转变为空间基础设施。白天呈现花海与瀑布，晚上切换演出或赛事内容，对同步、适配和调试效率提出了更高要求！

因此，巴可Barco提供的不只是投影设备，更是提供了一套支持长期运营与内容切换的视觉底座。好的技术不必抢走作品的注意力，却要让不同内容在多年运行中始终成立。

「从“被看见的瞬间”

  到“反复进入的空间”」

六年前，《WAVE》让全世界在一面城市屏幕前停下脚步，证明了d’strict制造全球视觉事件的能力。此后，ARTE MUSEUM将自然、艺术与技术转化为可以被身体进入的空间；2026年的纽约reSOUND又进一步跳出艺术展览，开始承载世界杯这样的公共事件。

ARTE MUSEUM成都国际数字艺术馆三年后的焕新，也不应只被理解为一次主题更新。它真正值得关注的，是一个全球数字艺术品牌，如何在成都重新理解观众、时间与城市。

普通人未必需要一座高高在上的数字艺术馆，但他们需要与朋友共同欢呼、与孩子一起探索，也愿意为热爱的音乐和偶像聚集。

沉浸式数字艺术馆真正的破局，或许不是把数字艺术讲得更加高深，而是让普通人的热爱在这里放大。

撰稿与责编：潘玥

来自数艺小熊猫的偷偷提示：点击公众号右上角“···”，将我们 设为星标 ，更多好看，不会再错过！（再送你一颗超级闪亮的 ★ ~）

暂无评论