海盗爷 John Galliano 离开 Margiela 之后，“下凡”与 Zara 合作的 Re{form} 系列也在设计周期间发布。几乎同时， Elie Saab 也与 H&M 在巴黎布隆尼亚宫庆祝合作系列。高冷奢牌“下凡”，告别繁华奇观转而关注日常生活。

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在执掌品牌一年后， Blazy 选择回归品牌创始人 Gabrielle Chanel 的故事：关于一个女人，如何成为她自己。

秀前黑白大片由英国传奇摄影师 David Bailey 掌镜，作为 1960 年代摇摆伦敦的缔造者之一，他镜头中的女性感性与力量并存。一只驻留肩头的小鸟，成为秀场的引子。

「就像一场接龙式的创作游戏

一个身份引出另一个身份」

月色朦胧间， 95 只发光的飞鸟在大皇宫的金属穹顶下轻盈悦动， 候鸟的视觉主题隐喻着女性身份的演变与统一，身着多重风格甚至矛盾服饰的模特鱼贯而出，意味着不同的身份在同一个人身上交叠呈现 —— 一枚硬币的多重面孔。

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新系列 “ Antibiblioteca ” ，源自塔勒布在《黑天鹅》中总结的那句话： “ 读过的书远不如未读的书有价值。 ” 在意大利哲学家、作家翁贝托 · 埃科的藏书故事中，他坐拥三万册私人藏书。但塔勒布着迷的并非他读过的书 , 而是那些浩如烟海的 “ 未读之书 ”—— 它们代表着 未知 ，也代表无穷的潜能。

「仅仅作为一种可能性存在

就已经让世界变得更加辽阔了」

—— Alessandro Michele

Michele 本人就拥有数以百计的 “ 未读之书 ” 。他把塔勒布的逻辑移植到时尚领域，将秀场策划为一场 “ 图书馆事件 ” 。时装不仅作用于消费的当下，也作用于不断超越现实的档案宝库。没有穿上身的衣服价值不在于被真实使用，而在于它所开启的想象空间及其组合与解构的余地。

秀场 址于法国首座公共图书馆——圣热纳维耶芙图书馆。 新古典主义风格建筑内部采用现代铸铁结构撑起双重拱顶，气势恢弘的阅览大厅融合了新文艺复兴与理性主义风格。观秀嘉宾被要求携书到场，这些书将被转赠给当地图书馆。

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以 “ 人体工学 ” 为核心的设计将人的身体放在首位，服饰、身体与动作之间存在着直觉性的联系。 34 辆 “ 飞驰 ” 在卢浮宫庭院上方的汽车模型装置，覆盖着标志性 Damier 棋盘格纹，呼应着关于旅行的品牌基因，也隐喻着新品的轻薄、柔软，以及与历史的隐藏联系。

「以轻盈为理想

以功能定义形态

让行动和旅行更加自由」

—— Nicolas Ghesquiè re

这场历史建筑与明日交通并峙的 “ 悬停未来 ” 是克制的。反重力时代的生活也许代表的不是太空幻想般的光怪陆离，而是社会凝滞中人们所期待的轻盈与真实。 Ghesqui è re 的未来主义，从 Balenciaga 时期的塑造 “ 狂想 ” 沉淀为如今的自然 “ 务实 ” 。未来尚未到来，未来随时出发。

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空间以“竞技场”为核心构想，由时尚界建筑翘楚 Casper Mueller Kneer（CMK） 建筑事务所设计，这是他们与 Loewe 的二次合作。设计灵感源自帕多瓦解剖剧场、伦敦环球剧场及米兰斯卡拉歌剧院等经典观演式建筑，用白色脚手架和织物，打造上下两层环形的金属框架，开放但聚焦。

「这是旧世界与新世界的对话

新英格兰的海岸

被安达鲁西亚的阳光晒透」

—— Jack McCollough & Lazaro Hernandez

在历史悠久的14世纪皇家城堡庭院中，史海钩沉的经典单品，打开了一片横跨180年的广阔可能。两位创意总监用“自传”来形容这一季，1960年代的品牌首件衣服——Oro绒面皮革西装外套被重新演绎，皮革工艺以更加纤薄的形式进化。

圆形布局拉近了观众与服装之间的距离，以更清晰地观察服饰细节与面料质感。既鲜艳又怀旧，延续了品牌“鲜活、触感与乐观主义”的核心价值。

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杜乐丽花园的八角池上雾气氤氲，朦胧中两侧的樟树错落有致， Dior 用 “ 破碎的贵族 ” 这一主题彰显自己去沉重化的决心。

品牌花园中依然繁花盛开，但经典而坚硬的廓形结构逐渐解绑松褪，不对称的轻盈俏皮丝丝入心。薄纱、欧根纱、蕾丝和真丝雪纺层层叠叠，灵动交替。

「 我想要营造一种氛围

某种程度上

消除品牌历史传承的沉重感」

—— Jonathan Anderson

雪白的秀场以一对中国的

“ 文玩核桃 ” 为邀请函 —— 对称在自然中基本不 存在，长久盘玩 的包浆是时间作用的结果， Anderson 追求的正是这份宁静时光的温润触感。时装材质与轮廓的边缘变得模糊通透，体量和重量在色彩和面料中软化消解，如水似雾，浮于云端。

Issey Miyake 的春夏系列以 “ Figure of Ma ” 为核心，将设计聚焦于面料与身体之间的空间 ——“ 間 ” ，秀场与服装都围绕这一哲学展开。布景采用全黑设计，营造出单纯静谧氛围。一名身披米色褶皱的舞者拉开帷幕，随后舞团带来巨大、如云朵般翻滚的面料，圆润轻盈地 “ 捕捉空气 ” 。

「设计不是为了哲学

而是生命」

—— Issey M iyake

创意总监 近藤悟史 邀请钢琴家中野公挥跨界合作，希求听觉与视觉彼此启迪，以音乐节奏启发面料形态。品牌一向主张触摸面料、与之互动的行为先于服装而存在，音乐引起的躯体舞动与感官体验带动温柔织物的飘然与包裹，是彰显这种理念的浪漫解法。从褶皱到空间，工艺是塑造的语言。

庄重的贝尔纳丹学院是巴黎现存最古老的中世纪建筑之一，整体为哥特风格。

秀场背景由阿塞拜疆艺术家 Faig Ahmed 创作的标志性解构织毯构成，坠落的水晶吊灯和斑驳帷幕，营造出影视氛围。

「 回望一路走来的历程

也展望未来

探索两者碰撞所释放的能量

这种张力始终赋予我灵感」

—— Jonny Johansson

Johansson 让丹宁与古典宫廷服饰的剧烈碰撞：做旧丹宁上印有残破的文艺复兴画作碎片或漆面花卉图案，与科技塔夫绸、织锦及皮革等华丽材质交织，呈现出斑驳粗粝的颓靡质感与玩味的先锋气质。

Burton 重访了创始人 的早期系列，用 “ 希区柯克电影 ” 定义本季的气质：模特们冷静、笃定、有距离感，始终在失衡的环境中保持优雅。空间的漫射冷调光线设计服务于服饰面料的表达，清晰呈现缎面的光泽、皮革的哑光与镂空面料的层次。

「 我追求一种平衡与通透感

在生活的瞬息万变中

兼具利落精准与简约本真」

—— Sarah Burton

经过特殊处理的砂质地面 T 台上，矗立着多层次的“ 凝固浪尖 ” 式几何装置，以哑光肌理的色彩为引子，构筑多面的风格纬度。几何造型以克制的语言呼应了利落的剪裁与动感的流苏，拆解后的新秩序空间营造出介于工坊实验室与艺术装置之间的氛围，建筑感剪裁与女性力量得以凸显。

空间由品牌长期合作的 Studio Dennis Vanderbroeck 操刀，临时脚手架搭建的沉浸式 “ 俱乐部 ” 借鉴了解剖式剧场的布局，抹除了传统 T 台与观众席的明确分界。

「 DIESEL永远将派对置于首位

它代表包容、自我表达、欢愉

以及体验面前人人平等」

—— Glenn Martens

Glenn Martens在自己的收官之作中邀请大家再次纵情派对，因此秀场直接构筑为“俱乐部”的形式， Lightlab Studio 以大面积饱和红光作为核心基调， Sen Studio 提供持续递进的低音律动。结束时，走秀、表演与狂欢完全融为一体。

Vaccarello 十年创作生涯的骄傲与释然，都在这场繁华落尽的金色盛宴中深沉落幕。在标志性的埃菲尔铁塔前，三盏体量惊人的巨型金色巴洛克吊灯在巴黎夜色中投下漫溢的璀璨金光。

「光之所以愈发璀璨

正因我们深知它无法被握持

有些事物终将流逝

有时比留存之物留下更多光芒 」

—— A nthony Vaccarello

随后 Vaccarello 登台，当着全场嘉宾的面将圣罗兰时装屋的工坊钥匙交给了自己的儿子。众人簇拥下盛大而浪漫的告别，是时尚最迷人眼的模样。