图中项目为2×4 品牌视觉识别、导视系统与展览视觉设计作品。

辛静与傅熙林的实践，展现了视觉设计组织复杂内容、连接不同文化语境的能力。在2×4北京的工作中，他们以品牌的身份、核心价值及其与公众的关系为起点，将策略落实为视觉系统，并延伸至展览、导视、动态影像与数字体验，使不同媒介共同构成清晰而连贯的表达。

2024至2026年间，2×4北京持续推进品牌识别、文化展览与空间视觉叙事的实践。上海图书馆东馆的导视系统，将寻路功能与公共文化建筑的空间气质联系起来；Miu Miu《故事与叙事者》则进入影像、女性叙事、表演与展览交织的文化现场。这些项目要求视觉设计同时处理信息、空间与观看方式，使复杂内容获得可被公众理解和参与的形式。

面对不同的本土语境，这一系统性的工作方法也呈现出具体变化。山下有松展览通过视觉语言回溯产品本源；鄂尔多斯源牧场以简约克制的图形回应土地与生产；泉州美食博物馆则以视觉串联城市、饮食、空间与人。设计的判断来自对内容和现场的理解，并据此形成各自的表达。

辛静与傅熙林的探索，将品牌系统的严谨性与文化表达的丰富性结合起来。他们持续处理的命题，是国际文化项目如何与本土历史空间建立联系，以及地方传统如何发展出当代视觉语言。在商业与文化、全球与本土之间，他们通过具体的设计选择建立沟通，让视觉系统成为公众理解品牌、场所与文化的入口。

图中项目分别为：盘菜生书店、吱音北京店、锐驰运动场、两栋新里。

蔡春燕与刘涛的实践，为既有环境中的细微更新建立了清晰而有力的设计立场。两人于2016年在上海成立西涛设计工作室，从家具、极小住宅到街头小店、乡村老屋与青年社区，始终从具体地点出发，辨认哪些条件值得保留，哪些空间仍有被重新发现的可能。

近年来，他们将这一观察落实于多种既有建筑的改造。温州老城区的盘菜生书店、北京锐驰园区由厂房改造的运动场与员工食堂、龙游乡村游客中心，让新的公共活动进入原有空间。在上海利西路、巨鹿路、天平路、安福路与乌鲁木齐路等街道，他们则通过分散的小尺度项目，持续调整建筑与街道的关系，使更新逐步融入街区生活。

这些项目的设计常从内部展开，在建筑与室内的间隙中建立连接，让空间向外生长。日常的本土材料与熟悉的建造技术，经由对工艺、比例和剖面的推敲，形成细腻的空间尺度。有限的介入因此能够改变人的行走、停留与感受，也使既有建筑获得继续使用的可能。

蔡春燕与刘涛将设计的力度放在对已有事物的准确理解上。他们的实践说明，小尺度更新同样能够回应城市与乡村的现实：通过一次次具体的改造，保留生活的连续性，改善人与环境的关系。

图中项目分别为：上海中华学院、丁蜀成校、昆山元丰路消防站、阿那亚友谊湾社区。

范蓓蕾、孔锐与薛喆将对日常生活的细致观察，转化为组织建筑的依据。三人共同主持的亘建筑于2013年成立于上海，以“发现与呈现”为工作方法，从场地、人的行动与既有生活中辨认潜在联系，再通过空间、结构与材料，使这些联系成为可被使用的建筑。

丁蜀成校以小尺度建筑群、室外大厅与不同屋顶回应宜兴村镇环境，将大工坊的结构、天光与设备整合，为紫砂技艺的学习、考试和交流提供场所。昆山消防站则从消防员二十四小时驻守、两分钟出动的工作节奏出发，在满足出动效率的同时，以明亮通风的车库大厅、树院与轻质膜棚，照顾等待、休息和运动的日常。

2026年的阿那亚友谊湾更新与上海中华学院，将这一探索推进至更复杂的公共生活。友谊湾以三个低矮单元划分街道与庭院，四柱钢结构回应既有柱网、短工期与品牌更替，树荫和屋檐下则为等候、聊天与观看留出空间。上海中华学院以河流、连续的“大一层”与三米地形组织校园，将坡道、平台和大厅连接成立体街道，使日常通行也能容纳相遇与停留。

从职业教育、消防建筑到社区商业与大型校园，亘建筑持续拓展功能之外的空间可能。三位建筑师将生活需求与建造条件之间的协调，发展为创造公共空间的方法：建筑既能准确回应当下，也为使用者留下自由安排生活、适应未来变化的余地。

图中项目分别为：飞蔦集·大同、凯州新城中央音乐公园－婚礼堂及酒店、飞蔦集·内蒙古、松赞·巴松错林卡、空山九帖·特色餐厅。

戚山山的建筑实践，展现了建筑师深入地域所能形成的设计力量。自2013年创立STUDIO QI建筑事务所以来，她通过持续的现场观察与建造，探索人、建筑、自然与社会之间的关系，并将这种思考贯穿于建筑、室内、家具与软装的整体设计。

自2016年起，她持续参与松赞系列项目，在近十年的实践与长期驻场中，推敲建筑与藏地聚落肌理之间的关系。林芝巴松措林卡、云南茨中山居、云南昆明林卡等近期作品，延续了她对不同村落空间特征与大喜马拉雅文化语境的探索。长期工作的积累，使她对地域的理解逐步转化为设计方法，并推动她提出“2.5维建筑学”的理论思考。

四川凯州宿心集婚礼堂及建筑群、内蒙古物生其地·安之若宿、大同云冈火山宿集等项目，则让这一方法面对不同的地理与文化条件。从策划、设计到落地，她将对地方生活的观察与空间、材料的选择相联系，在各异的环境中寻找建筑的表达。

从城市问题的思考到乡村建设的实践，戚山山探索着本土经验如何形成当代建筑语言。她的贡献在于，将长期在场获得的理解贯穿于设计与建造，并从中发展出个人的建筑观念。这条从地方实践走向自主思考的路径，也为中国建筑超越地域边界、参与世界对话提供了具体经验。

图中项目分别为：石室茶室 | 树洞酒馆、下水那天及宝安区档案服务中心大厦。

从闲置厂房里的工作室，到工业遗址中的装置，再到正在推进的城市公共建筑，孟子与刘杨洋的早期实践已展现出跨越不同尺度的能力。两人分别毕业于哈佛大学和剑桥大学，曾就职于赫尔佐格-德默隆、SO-IL等建筑事务所，于2024年初共同创立ARC Z建筑工作室。他们将建筑视为综合性的实践，从建造、结构、使用与场地的复杂条件中提取关键线索，形成清晰的空间表达。

在Loft工作室中，雕塑感高窗与弧形吊顶重新组织了旧厂房的光线与空间；罗浮山古榕文学村的石室茶室与树洞酒馆，则通过木模清水混凝土与树皮肌理的对照，塑造两处性格不同、彼此呼应的场所。材料与形式在这些项目中承担着明确的任务，将对环境的理解转化为直接的感官体验。

2025上海城市空间艺术季的参展作品《下水那天》，进一步将观看本身作为设计的内容。巨大的潜望镜介入百年船厂遗址，使工业记忆与当代生产进入同一视野。与此同时，宝安区档案服务中心大厦、宁波大徐公交场站综合体等正在推进的项目，也将他们的探索带向更复杂的公共需求。

ARC Z所展现的新生力量，在于面对不同体量与类型时，始终尝试把现实条件与艺术表达联系起来。初步建立的设计方法，正在接受更大尺度实践的检验，也显露出两位年轻建筑师继续拓展建筑边界的潜力。

图中项目分别为：管道、积木、平衡术装置艺术 空间、an action a day –成都麓湖cpi店铺天台、手指迷宫系列家具、abC 游园会 2026、New Joy户外家具系列。

一件家具如何让人开始游戏？吴畅与钟朝泽将这个问题持续带入产品与公共空间的设计。两人毕业于广州美术学院，创立现位于北京的WILD ZOO工作室，以“Fun Follows Function”为理念，在功能、结构与人的动作之间寻找乐趣。

这种探索从家具逐渐走向装置。2025年，他们从户外健身系列家具NEW JOY中提炼互动方式，创作RailPlay系列，将坐具与铁轨平衡游戏结合。随后，温州园博园项目与Ramp坡艺术群展进一步发展“平衡术”的概念，让身体的重心变化成为参与大型装置的方式；AAAD麓湖CPI店的天台宠物友好乐园，则将游乐、互动与家具的结合带入商业空间。

近期的“迷宫家具”又将游戏缩小到手指的尺度。凹槽构成可循迹探索的迷宫，家具表面由此获得了新的使用方式。从身体平衡到指尖移动，WILD ZOO不断调整互动发生的尺度，也拓展了产品设计的表达。

吴畅与钟朝泽正在形成一种鲜明的设计语言：以容易理解的结构和动作，唤起人主动探索的兴趣。在屏幕之外，他们让家具与装置成为游戏发生的条件，为日常物件与公共空间增添自发参与的可能。

图中项目分别为My Apartment 入目及坞品牌视觉识别设计、NT Display可变字体家族设计、System Breaking Is One Form of System生成式海报设计、The Multiple Identities of Typefaces,Typeface As Notes、XIQI 稀奇品牌视觉识别设计。

字体能否回应声音，排版能否随演奏而变化？这些问题正在推动王艺皓从平面设计走向更广泛的视觉实验。作为艺术指导、平面设计师与字体设计师，他以文字为工作的核心，将对字形与编排的研究，延伸至动态、交互和生成式创作。

王艺皓毕业于中央美术学院，获美国马里兰艺术学院平面设计硕士学位，曾就职于纽约Pentagram五角设计联盟，现生活与工作于纽约和杭州。2024至2026年间，他逐步建立起连接字体结构与感知经验的研究方向。在NT Display中，字重与衬线形态构成两条变化轴，使衬线与无衬线特征能够在同一可变字体系统中转换；《The Multiple Identities of Typefaces — Typeface as Notes》则从研究与出版出发，探索文字与视觉、节奏及声音的关系。

交互实验Tiki-taka将这一思路带入实时体验：可变字体响应声音输入、键盘演奏与动态行为，使文字成为随动作和节奏变化的视觉系统。

曾获东京TDC Prize等专业奖项的王艺皓，正在将扎实的字体设计训练转化为跨媒介探索的基础。他的实践拓展了文字的表现范围，也为技术如何参与视觉语言的形成提出了具体而富有个人辨识度的尝试。

图中项目分别为：日出东山、LOEWE凤梨鞋雕刻、逗趣、乙巳蛇年。

以黄瓜薄片叠出山峦，以可食用啫喱汤铺陈江河，让鞋履成为驶入画面的舟——杨铭洲创作的《烟江叠嶂》，呈现了传统食雕进入当代视觉创作的另一种可能。食材的颜色、质地与形态，共同参与图像的构成，使食雕从宴席装饰延伸至设计、置景与艺术表达。

杨铭洲是绢JUAN创始人，也是“盘中景，食中画”食物艺术项目的发起人。她拥有伦敦艺术大学女装设计学士学位，曾在法国蓝带厨艺学院接受专业培训，后师承李晓君先生学习传统食雕。服装、烹饪与雕刻的不同经验，逐步汇入她以食物作画、以刀代笔的创作方式。

近期作品中，她开始形成从解读对象、确定意境到选材构图、刀法置景的完整创作手法。杨铭洲借鉴《芥子园画谱》与《山石云水》的绘画手法创作的作品《日出东山》，以口红喻日出，借青萝卜天然渐变呈现国画青绿山水的效果，复以萝卜皮点化为几座小群山，使余料重新回到画面之中。

从服装设计、烹饪训练到传统食雕，杨铭洲将不同领域的经验汇入创作。既保留并传承传统，也让这门技艺在新的语境中创新——通过参与时尚图像与当代置景，在传统与未来、本土与世界之间架起一座可被看见、可被感知的桥梁。

图中项目分别为像鱼望出水面、流动的善意、红色花园、墙舞台、秋天舞台。

临时搭建的空间，也能改变人们与周遭环境的关系。ReBuild Lab将这一可能作为实践的起点，以日常材料、简洁的空间语言和可参与的场景，探索城乡景观中的公共性与游戏性。

这个以上海和佛罗伦萨为据点的设计与实践小组，由香港大学建筑学硕士张婕创立，并由她与都灵理工建筑学硕士杨晨合作运营。两人选择临时性空间架构作为媒介，关注人如何进入一处场地、与他人相遇，以及在熟悉的环境中发现新的活动方式。

从2024嘉兴世合｜万科理想大地、2025日本千叶国际艺术祭，到2026成都三联人文城市季与杭州plantb森林市集，他们在不同合作项目中持续推进“好玩的日常空间”这一设计母题。从艺术祭到城市活动与市集，两人持续尝试用临时搭建吸引公众参与，让建筑设计进入更日常的场合。

图中项目分别为《漂浮的姿态》、《成长的形体Ⅱ》、《红色的律动》、《息Ⅰ》、《流动的造形Ⅰ》。

邱嘉文的漆艺创作，将形体与表面作为一个整体来思考。漆层的堆叠、研磨与显现参与塑造作品的运动感，使色彩、纹理与立体结构共同表达生命的张力。这一方向，让传统漆艺在当代造型中获得了鲜明的个人面貌。

1996年出生于福建福州的邱嘉文，毕业于福建师范大学美术学院，于2026年获得日本金泽美术工艺大学博士学位。他从自然生命体的生长、运动与形态变化中获取灵感，将中国传统变涂技法与当代雕塑语言结合，持续研究静止形体如何呈现延展与流动。

2024年的《息》以流线形态与层叠漆纹表现生命力量的凝聚与释放；2025年的《流动的造形》进一步强化形态与肌理的联系；2026年的《流动的造形Ⅱ》则让结构、色彩层次与运动感知形成更紧密的整体。连续的作品呈现出清晰的研究进程——从观察自然形态，逐步深入到如何通过材料与造型表达内在运动。

2026年，邱嘉文获得国际漆展·石川银奖，他的实践显示出新一代漆艺创作者的可能：从材料自身的特性出发，发展能够持续深化的当代艺术语言。

NULLUS 2026秋冬系列以“男孩的口袋”为出发点,探究这一元素对现代男性气质的重构。

NULLUS从男装中一个熟悉的细节出发，重新组织服装的结构与穿着方式。2026秋冬系列“男孩的口袋”将口袋作为贯穿整季的设计线索，连接身体动作、储物需求与个人情绪，使功能细节成为塑造男装形态的起点。

系列通过位置、尺度与构造的变化，拓展口袋的用途：内嵌工艺让一个口袋分化为三个；原本藏于西装内侧、用于放置钢笔或雪茄的水滴形口袋被移至外部；品牌标志性的后颈窗户结构，经手工捏褶形成叠帘般的暗袋；放大的口袋则延伸为腰间斜挎包。几何线条将这些变化纳入服装层次，让实用性与整体轮廓保持协调。

油亮双色山羊皮、自然摔纹山羊麂皮、彩点羊毛真丝人字呢与未经染色的枯毛毛呢，为规整的结构带来丰富触感。挺括与柔软、光泽与粗粝之间的变化，也赋予这一系列克制而不失野性的气质。

口袋既收纳随身物品，也保留着穿着者的习惯与私人记忆。NULLUS以这一具体而亲密的切口，将结构实验与日常经验联系起来，让整季男装从一个细节中发展出连贯的设计语言。

MORIN KHUUR 2026 秋冬成衣系列“The Form of Nomads”，以游牧文明的流动为根基，围绕 “慢时序” 展开对文化符号的解构实验。

游牧文化中的迁徙、交换与物尽其用，构成MORIN KHUUR 2026秋冬系列“The Form of Nomads”的创作基础。系列以“慢时序”为线索，追索纹样、织物与工艺在不同地域间流动的过程，并将这种文化交融落实于服装的材料与结构。

藏地十字纹样“加洛”、在地化的藏锦、牛角意象、建筑色彩，以及邦典与裂织等织造参考，共同构成这一季的研究内容。高原日光、植物与迁徙节律进一步转化为廓形、面料镶拼和印花，使文化观察获得可穿着的形式。

材料的再利用让这一主题更为具体。边角料经过重新组合与二次编织，形成新的织物肌理，也将游牧生活中珍惜材料、延续使用的经验带入当代制作。重新编织的过程，使“物尽其用”既成为系列的文化主题，也成为实际的制作方法。

“黄河赋”尝试重新回到土地，从材料、工艺、地理与人的真实经验中寻找创作的起点。

沿黄河上、中、下游六省行走，完成五十余篇“织物日记”，再以数月时间织造四件服装——“黄河赋”将实地观察与手工制作共同纳入时装创作，让土地、材料与人的经验决定作品的形成。

系列以裂织为基底工艺，将旧衣被撕成布条，重新织造成织物。旧材料的颜色与质地在重组中生成肌理，“物尽其用、就地取材”的造物经验，也由此成为设计的方法。

行走使团队对黄河的认识变得具体。从源头到下游，沿途观察被整理为关于诞生、成长、奔涌与归于平静的生命叙事，并逐步转化为四件服装。

“黄河赋”的力量，来自对本土叙事形成过程的认真追问。它以身体力行的观察建立内容，以材料和工艺发展形式，使中国时装的文化表达有了具体的经验依据。四件作品也展示了手工艺作为创作方法的能力：织造的时间、材料的限制与制作中的判断，共同推动设计向前。

YA YI 2026秋冬系列“IN STILL MOTION 动静之隙”，将“慢”从一种节奏，还原为一种本质。

YA YI 2026秋冬系列“IN STILL MOTION 动静之隙”，将对声音、仪式与重复动作的感受，转化为围绕身体展开的服装结构。系列源于设计师对尼泊尔精神圣地的探访，也承载着品牌三年来对材料、手工与身体关系的持续思考。

颂钵的振动、铃铛的余音、转经筒的循环与锣声的沉落，为这一季提供了不同的节奏。圆润的廓形回应振动向外扩散的形态，环绕、包裹与系缚的结构，则将循环动作转化为衣料与身体之间的关系。抽象的感官经验由此进入剪裁与穿着。

系列同时从尼泊尔木版印刷与传统哈达编结中汲取灵感，通过印染、流苏、穗带与绳结等工艺，延续重复动作所形成的秩序。手工的节奏与服装的结构相互呼应，使“慢”成为作品的制作方式与感知特征。

“动静之隙”以一致的身体意识连接主题、廓形与工艺。它将旅途中的文化体验转化为自身的设计语言，让衣着承载安定、内省与向外延展的力量，也进一步明确了YA YI的个人表达。

“舞会之前”选择了一个尚未完成的时刻：身份仍在变化，期待与犹疑同时存在。TADZIO REVERIE以威尼斯假面舞会为背景，延续德国作家Thomas Mann《魂断威尼斯》对文学人物 Tadzio的想象，让这位曾被凝视的美少年逐步拥有自己的声音、选择与旅程。

角色的心理变化落实于服装的构造。水手绳结牵引衣料，表达依恋与挣脱；透明真丝与羊毛西装料形成轻薄与厚实的对照，让脆弱与力量并置；缎带与信封式折叠将包裹、隐藏和展开的动作带入衣身。帆船、单翼天使与流星的意象，则延续着关于自由、希望与勇气的叙事。

这些细节共同塑造了“在逃王子”的形象：优雅、反叛，也保有敏感与不确定。文学与青年情绪经由立体裁剪、制版和面料实验，形成了可以被穿着和感知的角色性格。

“舞会之前”延续了品牌跨季展开的人物故事。随着角色成长，绳结、折叠与面料对照也获得新的含义，使每一季既有独立的情绪，又与此前的创作保持联系。

武林之星博览中心位于杭州，由原杭州制氧机厂的旧厂房改造而成，保留了原有的排架结构、屋面、墙体与工业尺度。栗栗建筑以这些既有条件为基础，为建筑加入一套可以移动、开启、组合与替换的空间装置，让不同规模、不同形式的展览与活动能够在这里发生。

移动墙体改变空间的分隔，可变立面调整建筑的开合，运行轨道则支持装置重新组合。策展人、艺术家乃至观众都可以通过操作参与空间的变化。外露的机械与设备延续了厂房的工业特征，建筑如何运作，也成为展览体验的一部分。

这座建筑面积14,510平方米、于2024年完成改造的博览中心，将后续维护、升级与替换一并纳入设计。它为工业遗产的再利用建立了明确的方法：保留有价值的建筑基础，通过可调整的设施持续支持新的使用。公共文化空间由此获得了随内容变化的能力，旧厂房也得以继续参与城市生活。

云端学校将校园理解为一处共同生活的场所。普罗建筑以“教育栖息地”为构想，关注教学与管理之外的交往、活动和地方文化，探索学校作为公共建筑所能承担的更丰富角色。

公园、图书馆、车站与街道，是这一设计思考的重要参照：它们组织人的活动，也为相遇和交流提供条件。云端学校将这种公共性带入校园，把学习与成长放在日常生活中考虑，让教育空间既回应普遍的教学要求，也具有地方社会文化的特点。

西溪·果麦书店让一座封闭的旧办公楼，重新成为周边居民可以日常使用的场所。项目位于杭州西溪湿地北门附近，原建筑以高低错落的U形体量架空于水上，围合的水院缺少与外部的联系。紋建筑保留建筑外轮廓与柱网框架，从内部重新组织阅读、行走与停留的空间。

水平木梁、抬升书塔、下沉水榭、悬吊披檐与交错书梁，共同建立新的秩序。这些构件兼具空间划分、书籍陈列与构造作用，使建筑与家具之间形成连续的尺度。人们沿水院展开的空间行走，书籍、身体与湿地景观在其中彼此接近。

西溪湿地既是游客到访的目的地，也是附近居民散步、骑行的日常环境。书店以透明开放的空间承接这些活动，容纳闲逛、阅读、自习与休息，让文化空间融入原有的生活节奏。

沉湖鸟类迁徙观测塔位于武汉蔡甸沉湖湿地香炉山，周边水系与滩涂是候鸟迁徙停留的重要栖息地。相南建筑事务所以一座19.8米高的塔，为居民与访客提供登高、观鸟和了解湿地的公共场所。

设计将观看安排在整个登塔途中。两组反向旋转的楼梯分别组织上下行路线，连接24个平台，人们可以随时停下来，从不同高度和方向观察树冠、河岸与远处的滩涂。楼梯与平台同时参与支撑塔体，省去中心柱，使内部保持开阔。结构与使用方式紧密结合，形成了这座塔鲜明的双螺旋形态。

考虑到湿地的环境条件，塔体采用标准化模块，在工厂预制后运至现场装配，减少现场加工与施工干扰。设计对场地的回应，也体现在公众的使用中：沿途设置的停留位置，让匆匆登高的游览变成可以耐心观察的过程。这座塔以清晰的空间组织，连接公共游憩与自然教育，让湿地环境成为人们能够亲近和理解的日常景观。

自2018年起，有声建筑持续参与福建屏南县前汾溪村的更新。继村口美育中心与乡野艺校之后，前汾溪乡土学院将研学、居住与公共活动带入这座拥有九百余年历史的村落，进一步拓展教育与乡村生活之间的联系。

一座可容纳约五百人的学园，首先需要处理自身规模与古村的关系。设计将大体量拆分为接近民居尺度的小单元：东侧顺应村落肌理布置，以建筑间隙引风纳光；西侧面河展开廊道，与宿舍、教室及食堂围合出四组院落，让起居、学习和交流相互衔接。毛石、水洗石与毛竹模板等材料和工法，也使新建筑延续当地的建造经验。

院落是学园与村落共享生活的关键。场地附近的郑公殿、林公殿承载着本土信仰，传统祭祀与田野教学在这里并置，村民与师生共享空间。新建教育设施因此与原有的文化活动保持联系。

持续开展的研学带动了本地就业与农产流通，也伴随着民俗节庆和公共聚集的恢复。前汾溪乡土学院的意义，由建筑延伸至长期使用：它把新的教育资源与村落已有的生活连接起来，使公共建筑成为乡村持续发展的支持。

在鹭湖艺术中心，人们可以观看演出、阅读和参与文化活动，也可以沿水岸散步，走上与山体相连的屋顶公园。Link-Arc将大型文化设施与免费开放的户外空间共同设计，让这座位于深圳龙华区的公共建筑服务于更广泛的城市日常。

项目由大剧院、群艺馆与图书馆构成，总建筑面积约18万平方米。设计首先处理建筑与山体之间的连接：东侧原本分隔山体与城市的道路，经协调改为下穿隧道，使覆土能够延伸至建筑顶部。建筑高度略低于山体，从山侧望去，屋顶与地形连为一体；面向城市，则保留清晰的文化建筑形象。

西侧原有溢洪道经过水体设计与净化措施，成为可供观赏和停留的滨水景观。屋顶公园与滨水空间的开放，使文化设施的公共作用延伸到场馆之外。鹭湖艺术中心通过重新连接山体、水岸与城市，为大型公共建筑如何兼顾文化服务、自然环境与居民生活提供了具体回应。

《神奇的洞窟》讲述了一只小汉堡误入沙漠洞窟、参观古代汉堡艺术品的故事。潘正强从游览敦煌莫高窟的经历出发，保留壁画的构图层次与色彩特点，将其中的人物替换为汉堡食材角色，让古老的洞窟艺术与当代日常食物相遇。

影片采用水彩晕染、剪纸拼贴与手作逐帧动画。水彩的渗透、纸张的边缘与拼贴的层次，共同形成鲜明的手工质感，也呼应了壁画在时间中逐渐积累的痕迹。古典建筑、乐舞与人物场景在重新编排后，组成一个轻松而奇异的动画世界。

作品的趣味来自熟悉与陌生之间的转换：食材角色让观众容易进入故事，构图、色彩与制作方式则保留了敦煌艺术的视觉线索。潘正强将传统图像转化为完整的动画语言，使文化参考贯穿角色、场景与叙事，让观众在观看故事的过程中接近壁画之美。

《混血大陆》收录了摄影师孙一冰在美洲旅行时拍摄的自然景观、文化符号与生活痕迹。面对火山、宗教标志、纹身、加油站和广告牌等不同内容，enkit以“混血”为书籍设计的线索，让图像之间的差异成为阅读的吸引力。

源自印加文明的Chakana符号被转化为贯穿全书的图形结构，出现在封面、书脊与内页中。地图和棋盘式编排将路线、地点与照片联系起来，为丰富的图像提供清晰的阅读线索。鲜明的红、黄、蓝与三种纸张交替出现，通过色彩和触感的变化，调整翻阅的节奏。

封面的火山、书脊的金色烫印与内页反复出现的图形，将外观与内部编排联系起来。书中不同来源的图像保留各自的性格，又通过统一的图形线索形成阅读秩序。

一个汉字对应一个足球少年，多个汉字组合成句，正如不同的个体组成球队。赵启阳从“单字成意，组字成句”出发，为壹基金少年足球建立了一套易于理解、可以持续变化的视觉语言。

文字右下角的圆点如同少年脚下的足球。圆点与文字的位置、大小和组合关系不断变化，形成带球、传球、射门与跑位等画面；运动轨迹的加入，则进一步表现战术与协作。圆点的颜色还用于区分校园联赛、企业捐赠等项目内容，使同一套视觉规则能够服务不同的传播场景。

壹基金少年足球面向乡村学校开展场地建设、球队组建与足球文化推广。设计将项目所重视的伙伴关系、个体成长与团队协作，转化为文字和图形之间可见的联系。它以简洁的元素建立鲜明识别，也为后续活动提供了丰富的组合方式，让公益项目的理念进入具体而活泼的日常传播。

StudioTODO为ADW建立的视觉形象，从A与D两个字母展开。在动态旋转中，立体图形依次呈现A、AD与D的形态；艺术与设计之间的联系，也通过这一变化获得直观表达。

这套规则贯穿动态、平面与空间应用。团队从旋转过程中抽取不同角度的字母形态，用于展览传播与现场呈现，使各类物料保有变化，同时维持共同的视觉特征。互动识别技术进一步允许观众通过身体动作改变画面，让视觉系统随着参与而继续生成。

ADW 2026在上海复星艺术中心汇集主题展览、周末公共活动、设计嘉宾与平行展，需要一套能够容纳多种内容的视觉语言。StudioTODO以清晰的字母结构回应这一需求，将识别、变化与互动纳入同一系统。设计本身由此体现了这一交流平台所倡导的开放与流动。

童佳奇在两年的欧洲旅行中走访、拍摄了近200座建筑，并将这些记录整理为出版物与网站《An Atlas of Architectural Archives》。个人的建筑兴趣，由此发展成一份可以持续查阅和分享的视觉档案。

书名中的四个字母A，为设计提供了具体的编排依据。童佳奇以它们之间的距离建立网格，通过四条轴线组织图像与文字，形成清晰的排印秩序。这一规则既与项目名称相联系，也让不同城市、不同建筑的记录能够在统一的框架中呈现。

出版物之后，网站将影像档案延伸至纸页之外。项目的特点，在于用克制的设计整理个人观看：网格与排版帮助读者进入内容，建筑影像始终处于中心。视觉语言在这里承担着编辑的工作，将分散的旅行记录转化为有序、可共享的建筑经验。

车窗边缘常见的陶瓷熔块点阵，成为《设计的风景》材料实验海报设计展的视觉起点。回头是岸设计公司将这一日常工业细节提取出来，通过网点、色带和规格标注式文字，建立起贯穿动态海报、印刷品与实体物件的视觉系统。

核心作品是一支7秒动态海报。网点的疏密、手工叠压的肌理与横向流动的渐变色带，模拟隔着车窗观看风景的感受。柔绿、湛蓝、暖金与冷灰依次出现，将四季变化压缩为短暂的视觉旅程。借鉴车窗玻璃规格标注的字体与排版，则让展览信息自然进入画面。

透明材质进一步扩展了这套语言。图形应用于PVC袋、亚克力卡片、玻璃杯与雨伞后，会与使用者身边的真实环境重叠；纸面上的黑色UV印刷波点，则通过光泽与触感保留了点阵的材料特征。

从动态画面到可携带的物件，设计始终围绕“透过车窗观看”这一经验展开。工业细节、手工肌理与日常景象在其中形成联系，使展览的视觉识别本身成为一次材料实验，也邀请观众重新留意习以为常的风景。

开场咖啡将品牌形象与室内空间作为一个整体设计。aptdotapt攻玉从命名、视觉识别到空间与家具，将二维图形中的动态弧线转化为平面布局和可移动的构件，让品牌的性格进入实际使用。

主要功能区域以不同角度展开，四个形态各异的柱体引导行走与观看。弧形门沿圆形轨道滑动，展示架可以将新品面包送至客人面前，咖啡桌能够沿滑轨移向草坪，花池长桌尽头的红幕则供人拉合、拍照。这些构件让空间随着经营和活动需要调整，也为顾客提供了直接参与的机会。

不同使用者的需求同样得到照顾。前后设置的外卖口方便骑手取餐；临街的半圆柱界面提供倚坐和停留的位置；面向公园的一侧打开，让室内活动延伸至草坪。金属、织物与粗粝表面的组合，则将几何语言落实到触感和光线之中。

开场咖啡的完整性，来自视觉、空间与使用方式之间的连贯。设计以一组可以操作、调整的细节，将鲜明的品牌表达转化为灵活的日常场所。

匠灯庐始于一个具体的愿望：让回乡探望的亲友有地方坐下来吃饭，也让屋主对父亲的思念有所寄托。项目位于安徽芜湖白果树村，屋主经营不锈钢加工厂，他希望利用生产中留下的板材和未被采用的样板窗，在老宅旁建一栋新房。

这些现成材料直接影响了房子的空间与样貌。尺寸不一的不锈钢板用于外立面，被弃用的样板窗成为转角落地窗。设计顺应材料已有的条件，将工业生产的余料带入家庭生活。入口石刻取材于屋主父亲曾修建的石坝，由父亲生前的徒弟完成，让两代人的手艺在同一处场所相遇。

房屋由家人与村民共同建造。落成后，长窗框住父亲年轻时栽下的树，聚餐与备餐有了新的空间，母亲也拥有了期待已久的花园。匠灯庐以材料再利用回应实际需求，并将亲情、记忆与共同劳动融入日常起居。空间的意义，最终落实为家人愿意回来、能够相聚的生活。

三个面积约340至400平方米的圆形房间，需要在不减少工位、不改动结构、不系统性重新预埋管线的条件下，利用暑假约五十天完成改造。齐洪海从教师每天的工作、饮水、交流与午休出发，重新安排空间，也改善大房间原有的压抑感。

家具将室内分为中心圆厅与周围工区，为集体活动和个人工作建立不同尺度。梁间的覆斗形吊顶与灯具配合，以向上的漫射光照亮空间，向下的光线则服务桌面。桥架、吊柜钢结构与工位背板后的空间组成连续走线系统，使设备安装与后续使用得到统一考虑。

入口吧台、窗边高桌与圆厅会议桌，为师生交流和休息提供不同的位置；直饮水与折叠床回应教师长时间在校工作的需要。门框、桌腿、插座、柜体衔接乃至挂抹布架，都纳入了细部设计。

办公室于2022年完成改造，四年多的使用让设计接受了日常检验：公共桌台持续被使用，部分教师保留折叠床，也有人换成可调节座椅或自行加灯。这个项目把室内设计的关注落在工作环境的具体改善上，并为使用者继续调整空间保留了余地。

适马空间SIGMA ROOM在上海，集产品展示、摄影展览、阅读、放映与交流于一体。ONOAA STUDIO从SIGMA BF相机的设计中获得启发，以精细的内部组织支撑简洁的空间形象，让多种功能能够在同一场所中有序展开。

“开”与“隐”是组织空间的重要方法。展柜、放映系统与收纳设施需要时展开，平时则融入结构；前厅与内部分享空间逐步显现，让参观、停留和集体活动拥有各自的节奏。屋檐从外立面延续至入口，也将建筑的尺度逐渐带到人的身边。

所有家具与陈列道具均由团队设计制作。可调节层板、可旋转画框与模块化悬挂系统适应展览更新，座椅和展台能够重新组合，长桌则支持阅读、茶叙、晚宴与作品展示。白色织物墙面背后的软木基层，进一步方便作品更换。

适马空间以稳定的建筑秩序容纳不断变化的内容。家具、展示设施与室内细部共同承担这种适应性，让品牌空间能够持续用于影像交流，也使正式活动与日常停留同样得到照顾。

这套位于重庆、面积约200平方米的叠拼住宅，为一位屋主的长期居住而设计。石页建筑设计研究工作室将原有两层格局重新组织为五个错动的平台，以高差、柜体和楼梯划分空间，让日常活动在不同标高之间展开。

鹅黄色金属梯步串联起居场景，视线与光线穿过错层，形成丰富而连续的内部空间。私密区域保有独立路径，窗帘可以进一步调整开放程度。布局因此兼顾了自由流动与安静独处，也与重庆山地生活中的坡道、梯坎形成呼应。

改造保留原有钢筋混凝土框架，以CLT木构件和钢结构置入新增体系。预制与干式装配减少湿作业，外露的螺栓和钢板则清楚呈现新旧结构的连接。木材、陶土色瓷砖与浅色板材，为起伏的空间提供温暖底色。

错层公寓将个人的生活方式作为空间组织的依据。它通过剖面的调整改变居住体验，再以材料和细部照顾身体感受，使住宅具有鲜明的个人性，也为既有住宅内部的重新组织提供了新的思路。

在内蒙古自治区一处工厂园区，waa未觉建筑将原羊绒技术中心改造为支持研发交流的工作空间。设计围绕样品、讨论与展示重新安排功能，让材料研究进入日常动线，也让个人工作与团队协作保持联系。

样品间面向中央庭院和走道，便于随时取用、观摩与讨论；办公区置于后侧，兼顾私密性、采光和室外景观。原有“回字形”布局被局部打开，种植绿植的玻璃盒子旋转45度，在规则网格中形成新的路径，为小组交流、个人视频会议和开放活动提供选择。

演讲厅同样以45度角置入原有网格，空中连桥跨越中庭，在区分不同活动区域的同时保留视线联系。木材、绿植、均匀照明与平静的色彩，缓和了工业园区的工作氛围，也为大型项目展示提供了清晰的背景。

稷山翟宅是一处供长辈返乡养老、家族祭祀与节庆团聚使用的第二居所。对于长期分居各地的家人，短暂的返乡既需要相聚，也需要各自安顿。久舍营造工作室以这一关系为核心，重新组织传统乡村住宅的内部空间。

首层保留堂屋的礼仪性用途，也容纳邻里聚餐、串门、喝茶与娱乐。上部将楼梯与错动的公共空间交织布置，每个房间独占一个楼层，并通过可开合的内窗与起居空间联系。家人可以随时停下交谈，也能在独处时感知彼此的活动。

室内木构支撑屋顶，梁柱的尺度、排列与连接直接形成空间秩序。砖墙、混凝土和木材保留自身肌理，浅绿色钢梯贯穿其间，木扶手与布艺则照顾坐卧、触摸的感受。南侧卧室向内退让形成通高天井，将日光带入上层房间与首层堂屋两侧。

稷山翟宅把家族生活的礼仪、情感与日常需要落实为具体的空间关系。传统堂屋与新的垂直布局共同服务于团聚，让一座返乡居所既能延续地方生活，也能适应今天的家庭结构。

L’ARTIGIANO位于杭州南宋御街中山中路的一栋历史建筑内。milanesi | paiusco保留原有柱梁、墙体、屋檐及使用痕迹，并借鉴意大利广场的开放性，打开一层门窗，让餐厅与街道建立直接联系。

室内以旋转45度的方形混凝土吧台组织点单、甜品展示与座位，斜向布局使吧台成为人们聚集的中心。厨房盒子与开放式厨房则将食物制作纳入空间体验，让餐厅的日常运作参与塑造场所的气氛。

材料延续了对旧建筑与手工制作的关注。回收木材用于桌椅和地板，旧屋瓦铺设于庭院；手工灰泥与不同氧化铁配比形成的渐变混凝土，留下细腻的色彩和质感变化。陶土、橄榄树、迷迭香，以及黄、紫、粉色的运用，将意大利与地中海的生活气息带入杭州街巷。

餐厅以空间的开放、材料的延续与制作的细节，建立起两种地方经验之间的联系。历史建筑保有原来的时间痕迹，新的餐饮生活则在其中自然展开。

“纸上奇遇 Beyond the Page”将阅读安排进观展过程。梅数植与潘焰荣通过可进入的展陈与围坐空间，让观众能够停下来翻阅、交流。

展览位于上海当代艺术博物馆等等图书馆，围绕20世纪以来的纸本艺术与印刷创作展开。可进入的展陈结构与环形围坐空间，为观看、翻阅和讨论提供了不同位置；三楼开放平台的布局，则将展区与周边公共空间联系起来，让阅读活动自然展开。

设计的重点落在观众与作品的距离上。座位、展陈高度与空间组织共同支持较长时间的停留，也让个人阅读能够转为共同讨论。“纸上奇遇”以具体的参与方式呈现纸本媒介的价值，使翻页、触摸、观看与交谈共同构成展览的内容。

重屏系列从屏风“隔而不离、藏显相生”的特点出发，将空间边界的变化带入坐卧、收纳、照明与观赏。承玺以“屏”为线索设计一组家具，让器物参与安排人与空间、人与人之间的关系。

罗汉床以山峦般的围屏围合休憩位置，大漆肌理赋予近距离观看与触摸的层次；壁柜通过几何分割及石材、金属、玻璃的组合，形成虚实变化，柜门的开合则将调整空间的选择交给使用者。圆几结合置物架与奇石意象，琵琶壁灯将光藏于弦纹之中，使陈列、照明与日常使用共享同一套设计语言。

系列对东方山水与传统器物的理解，最终落实在围合程度、材料触感和光线变化上。人们可以据此安排独处与相聚，也能在反复使用中感受器物的细节。重屏以家具为媒介，将文化意象转化为可使用、可调整的居住体验。

云南安宁龙山村的书院附近，有一片直径约四十米的树林。人们常从林边经过，却很少进入。“林间回响”在树木之间加入可供停留的木平台，将这片树林变成一座分散的森林剧院。

设计从身体的尺度开始。十七名香港大学建筑系学生以臂展测量树干，用绳索记录树与树之间的关系，寻找适合站立、围坐或侧身通过的空隙。约六十平方米的平台由此分成若干块，高低错落地嵌入林中，并由学生与本地工匠在十一天内手工建成。

演出时，舞者与观众分散在不同平台上。树干遮挡部分视线，每个人看到的场景随着站位而变化；移动与寻找视角，成为观看的一部分。观众也可能在穿行中进入表演，让舞台与观众席的关系随活动改变。

演出结束后，平台继续供访客、驻村者与村民歇脚、阅读和上课。“林间回响”以少量搭建改变了人们进入树林的方式，也将一次演出的参与体验延续为日常使用。

在上海复兴岛船台公园，众建筑以可拆解的脚手架系统搭建“众山集”，将市集、展演、休憩与登高观看安排在工业遗址之中。巨型船台、塔吊和厂房保留在现场，新的活动围绕这些既有建筑与设施展开。

1.5米模数的盘扣脚手架构成骨架，膜材、木质摊位、楼梯和平台作为可调整的部分嵌入其中。斜顶下的摊位用于文创、美食与手作经营，也能随周末活动、展演或音乐节改变使用方式。系统可以拆解、重组和迁移，为不同内容进入场地提供条件。

折形楼梯与悬挑平台增加了游逛的层次。人们沿路径向上，可以俯瞰下方市集；停留在摊位之间，也能看见高处行走的人。买东西、看演出与登高游览由此相互交织，使用者可以自行选择路径与停留位置。

众山集将临时搭建发展为组织公共活动的方法。可变化的空间支持内容更替，上下交错的路径则让观看与被观看成为游逛的乐趣，使工业场地获得持续容纳日常活动的能力。

稍息桌把一张桌子的功能拆分为可选择、可调整的部件。窄长的铝型材承担支撑，托盘、挂钩、置物盒与电源模块分别满足放置饮品、收纳随身物品和充电等需要。使用者可以左右滑动部分配件，将它们移到顺手的位置；经营者也能根据活动内容重新配置组件。

设计源于中国街头将长凳当作桌子的场景。一个简单支撑可以容纳多种用法，这一观察被发展成面向公共空间的模块化桌具系统，用于用餐、市集、临时办公与社交活动。

窄桌身释放了通行空间，也缩短了桌子两侧人与人之间的距离。居中的支撑保留适度边界，可移动的配件则让共享使用中的个人需求得到照顾。系统的调整方式直观可见，人们通过简单操作就能安排自己的位置和物品。

稍息桌将体验设计落实为人与家具之间的一组具体动作：滑动、悬挂、放置与组合。易于安装、拆卸和维护的结构，也让使用者的便利与经营者的调整需求在同一套系统中得到回应。

在海拔3500米的梅里雪山精品酒店，观看雪山与安顿身体同样受到重视。末广设计从高原环境中的休息、交往和独处需求出发，让晴天、阴天与等待中的旅居生活都有适合停留的位置。

大堂壁炉、餐厅卡座与顶层咖啡厅借鉴藏地围炉起居的方式，提供不同尺度的围坐空间。天气晴朗时，人们可以眺望雪山；云雾遮蔽山景时，仍能围炉取暖、阅读或凝望天空。中庭回廊与经过木梁、格栅过滤的天光，将沿途的观看和停留串联起来。

客房通过玄关、沙发、床榻与浴缸组织生活场景，以矮墙、格栅和布帘调整视线，兼顾相伴与独处。可倚坐的深窗、便于挪动的小几、牦牛毯和亚麻床品，则从尺度、操作与触感上照顾旅人的日常需要。

对体验的考虑也延伸至制作与维护。设计保留牧民家庭作坊织物的配色和手工差异，通过拼接减少裁剪，并以持续采购与修补连接地方劳动。酒店由此将山景、休息、交往与地方手艺共同纳入旅居，让对自然和文化的理解发生在具体的使用之中。

人在睡眠中会不断翻身，头、颈与肩部的支撑需求也随之变化。tbh与PHOENIX DESIGN以这一日常身体经验为起点，通过分区内芯、枕面弧度与双层结构，兼顾仰卧、侧卧及姿势转换时的承托与舒适。

支撑性内芯负责保持形态，可拆卸的羽绒层提供柔软的接触感。两层材料各自承担不同作用，让承托与包裹在同一件产品中得到协调。枕面的连续弧度则为头颈移动留出空间，将对睡眠动作的观察落实到具体造型。

材料选择延续了这种对使用感受的关注。记忆绵芯采用生物基含量超过20%的聚氨酯泡沫，外覆弹性面料；羽绒与纤维填充物共同构成轻盈的表层。低饱和度配色与模塑纸浆包装，让产品从触感到外观保持一致。

好梦双芯枕将睡眠中的细微变化作为设计依据，把人体工学、材料分工与日常维护结合起来。健康关怀由此落实为一件贴近身体、反复使用的生活用品。

工布江达县人民医院、县藏医院项目位于西藏林芝，将现代医疗服务、藏医药文化与高原生活环境共同纳入设计。项目以“自然营造·人文疗愈”为理念，在整合医疗功能的同时，关注人们就医、康复与日常活动中的环境感受。

高原气候是建筑设计的重要依据。自然采光、通风、遮阳与适应性景观共同改善室内外环境；公共庭院与环形疗愈路径，为休息、步行和接近自然提供场所。具有藏族文化特色的色彩、材料与空间形式，则使医疗建筑与当地的生活经验和文化认同保持联系。

项目进一步将健康生活社区、传统工艺体验等内容纳入整体规划，探索医疗设施与地方公共生活的联系。它所体现的健康设计，是对诊疗功能、身体感受与文化需要的共同考虑，让专业医疗服务获得更适合当地环境与人群的空间支持。

发酵工作室从材料如何生长开始设计。围绕细菌纤维素，团队持续调整生长环境、干燥方式与成型工艺，观察这些条件如何影响材料的形态和使用，再据此探索适合的产品。

半透明性与自然肌理，被用于制作柔和漫射光线的灯具；吸水与吸附特性，为无火扩香器提供了研究方向；柔韧性与可塑性，则延伸至空间隔断和光影体验。不同应用由材料的具体特性出发，逐步进入人们日常居住的环境。

这项实践将健康设计的关注带到材料与感官体验之间：灯光如何被柔化，气味如何释放，空间如何分隔，都成为材料研究可以回应的问题。发酵工作室以持续实验建立材料与用途之间的联系，为生物材料参与日常环境设计探索了具体路径。

柴山岛曾是渔业兴盛的海岛村落，如今人口外流，养老成为岛上日益迫切的需求。line+建筑事务所将一所闲置小学改造为托老所，为岛上96位常住老人的生活提供支持，也让原有公共建筑继续服务社区。

首层设置共享食堂、厨房、多功能厅与照护设施，居家老人也能前来用餐、活动和交流。二层保留养老居室，将走廊转移至背阴侧，把更好的采光、通风与海景留给起居空间。集中照护与居家养老由此在同一处场所中得到衔接。

电梯、无障碍坡道、缓坡台阶和沿途座椅，照顾老人行走与休息的需要；屋顶茶室、菜园及观景平台，为日常活动提供更多选择。设计也根据访谈中了解到的捕鱼经历，将渔船形态、红蓝色彩、毛石与渔网肌理融入空间，使新的养老环境保有熟悉的生活记忆。

柴山岛托老所将照护落实到吃饭、行走、休息与邻里往来的具体安排中。身体便利、情感归属和自主选择在这里共同构成养老空间的质量，也让有限的海岛资源得到更充分的使用。

热土AI设计平台将农产品包装中需要专业设计支持的工作，转化为农户可以参与的操作流程。上传产品图片、选择宜君特色文化元素、调整布局、输入文案，使用者便能生成多款包装方案，并根据产品需要进行选择和修改。

项目由阿里公益联合淘宝设计、宜君县政府发起，以当地剪纸、农民画等文化资源为基础，将图像生成与具体的包装需求联系起来。苹果、核桃、玉米等农产品因此能够拥有带有地方特点的视觉形象，农户也可以通过培训参与设计，减少获取专业包装资源的困难。

平台的设计价值，在于将AI能力、地方文化与实际使用条件结合起来。清晰的步骤降低了操作门槛，可选择的文化元素为生成结果提供方向，培训与在地协作则帮助工具进入真实生产。技术由此成为农户表达产品特点、参与品牌建设的一种手段。

LumiSleep D1将脑电监测与声音反馈整合进一件可在睡眠时佩戴的设备。产品通过七个电极采集脑电信号，由自研的实时神经耦合调控系统进行分析，并据此生成与用户状态相配合的声音，尝试为入睡提供动态、个性化的支持。

这套技术能否进入日常使用，也取决于佩戴体验。柔性干电极无需导电剂，轻量化头戴结构贴合头部并包裹双耳，将信号采集与声音播放集中在同一件产品中。亲肤透气的微弹面料、柔软触点与无缝缝合工艺，共同回应长时间接触皮肤的需要。

圆润的外形与低饱和度配色延续了对睡眠场景的考虑，使产品在视觉和触感上保持柔和。LumiSleep D1的探索，在于将实时感知、声音反馈与贴身佩戴一并设计，让复杂的技术系统具备进入夜间生活的使用形式。

乐奇AI眼镜二代将显示、拍摄与智能辅助功能放入日常眼镜的形态中。设计需要同时处理镜片的通透性、信息的可读性、佩戴舒适度与操作方式，让数字功能能够随着使用者的视线和动作自然展开。

方圆镜框提供黑色与玳瑁色两种选择，柔性镜腿与液态硅胶鼻托照顾长时间佩戴的需要。光波导与低反射镀膜让数字信息叠加于现实视野，1200万像素HDR影像系统则支持第一视角拍摄、实时预览与4K视频录制，将观看和记录联系起来。

语音识别、AI问答、实时翻译与会议记录等功能，通过镜片显示提供即时信息。配合Rokid Ring智能戒指，使用者还可以用微手势完成拍摄、翻页和功能切换，在不同场景中选择适合的操作方式。双芯片、双操作系统与可更换胶囊电池，则共同回应运算和持续使用的需求。

这款产品将科技设计的重点放在多项能力的协同上。光学、影像、交互与供电围绕同一种穿戴形态展开，探索智能辅助如何以更少的操作融入日常活动。

Orka O1 Pro将交谈中两个密切相关的感受放在一起考虑：听清对方，以及自然地听见自己的声音。在与Bose的共同开发中，产品整合QuietControl主动降噪、AI言语增强与助听处理，减少环境噪声的干扰，并改善佩戴者说话时低沉、发闷的感觉。

这些功能需要在有限的物理空间中协同工作。单耳机身重3.5克，主体位于耳后，微型受话器置于耳道内；麦克风、通气通道与动圈受话器的安排，同时影响声音表现和佩戴体验。超过35小时的单次续航，则支持持续的日常使用。

O1 Pro将声音处理的技术进展落实到交谈、通话、音乐与影音等具体场景。产品的完整性来自算法、声学结构与佩戴方式之间的协调，让助听设备能够更自然地参与使用者的日常沟通。

小库AI云与海外版LookX AI面向建筑、室内及景观设计师，将生成式AI用于概念探索、方案推敲与效果表达。设计师可以从文字、草图、照片或SketchUp、Rhino模型开始工作，在同一平台上比较不同的空间和材料方案。

平台把对生成过程的控制放在清晰的操作中。实时画布随勾画生成渲染，“想象强度”滑块用于调整AI介入的程度，局部重绘支持针对选定区域修改，同一体块也可以快速尝试砖、金属或木材等不同表达。这些功能让图像生成进入反复比较与取舍的设计过程。

使用者还可以用5至50张自己的作品训练专属风格模型，使个人长期积累的视觉语言参与生成。“灵感广场”与“模型集市”则提供分享和继续探索的渠道。界面以深色画布突出作品，将复杂能力集中在少数清晰入口中。

小库AI云的设计重点，是让技术接受设计师的选择和调整。生成速度因此服务于更多轮次的尝试，而可控制、可修改的交互方式，使专业判断能够持续参与其中。

《大地的印记》将高原牧场上常见的干草卷，想象成一条沿山坡舒展开来的路径。草料顺着地势起伏，时而贴近草甸，时而抬升为可以穿行的廊道，让原本用于储存和运输的农业材料，成为人们停留、相聚与休憩的场所。

这件在意大利SMACH 2025国际竞赛中获奖并建成的装置，将劳动、工具与土地的关系带入观看。干草卷看似属于田园风景，其紧实而规整的形态却来自机械打捆。作品将它展开，重新呈现草料的纤维、重量与透光性，也让人意识到眼前景观与农业生产之间的联系。

细钢筋与钢丝网构成顺应地形的框架，草料以草绳固定，保留现场调整的余地。人们可以沿装置行走，在屋面下停留，通过身体感受山坡的起伏。随着草料逐渐分解、归于土地，作品也走向消散。它将建造、使用与回归纳入同一过程，使材料的时间成为艺术表达的一部分。

新闻报道与虚构文学如何改变我们理解现实的方式？“从边缘开始收集”以两种日常文本为起点，将叙事中的细节、个体经验与社会关系带入展览，讨论谁在讲述、什么被看见，以及哪些声音容易被忽略。

策展借用厄休拉·克罗伯·勒古恩“载物袋”的思路组织作品。环形展架划分出“内部”与“边缘”，观众从外围的深度报道《女教师新婚坠亡悲剧》与金爱烂的短篇小说《刀痕》开始，继而进入由柔软毛毡包裹的内部空间，接触31件／组来自当代艺术、建筑与文学等领域的作品。

文本、展架与观看顺序共同参与意义的形成。不同创作收集日常中的脆弱、柔软与诙谐，也从各自角度回应隐性的暴力，让个体遭遇与更广泛的社会问题产生联系。展期内的八场公共教育活动，则通过对谈、工作坊与表演继续展开这些讨论。

作为上海当代艺术博物馆与香奈儿文化基金“新文化制作人”项目第四季“文本与艺术”的展览，“从边缘开始收集”将策展视为重新分配注意力的实践。它让观众在不同叙事之间建立联系，也追问观看和理解之后，人们还能如何回应现实。

惠州市建筑艺术计划将建筑与艺术带入山区、古城和海岸，以一系列具体项目探索地方更新。计划由惠州市人民政府推动、风语筑总体策划，在“百千万工程”框架下，邀请建筑、艺术与规划领域的创作者共同参与。

北部山区沿环南昆山—罗浮山引领区的218公里旅游公路展开，以苏东坡“人生十六乐事”串联主题驿站，并将古榕村落、徐田古村等地纳入文学与社区实践，博罗、龙门两县已完成52宗建筑艺术项目。中部聚焦惠州古城更新，由段进院士团队领衔规划设计；南部则以稔平半岛“山海十二时辰”为题，通过主题驿站等项目连接海岸景观与地方文化。

这一计划的特点，在于将艺术介入与公共空间建设、地方叙事及后续运营一并考虑。不同作品和场所沿“山—城—海”展开，让公众能够在出行、游览与日常活动中接触建筑和艺术，也为创作者提供了回应具体环境与社会需求的现场。

首届深圳艺术与科技双年展“闪烁的1/∞”于2026至2027年在深圳国际美术馆举行，由深圳国际美术馆与深圳科学技术馆联合主办，汇集全球50余位艺术家、科学家与研究者，围绕“观测”与“现实”的关系展开。

王乃一与Mónica Bello将量子物理中的不确定性、延迟选择与观测悖论作为理解作品的隐喻。展览不设固定观看路线，让观众自行选择路径，也让部分作品在展期中持续演变。配套的“驻留—研发”机制，为艺术家与科学家共同工作提供时间，使提问、实验与相互修正成为实践的内容。

陈佩涵与石君宜将这种变化引入视觉系统。两个相互缠绕的环形结构，在设定的观看角度和生成规则中不断演变；动态图形由此成为品牌形象、展览主视觉与导视设计的共同基础。

双年展把艺术与科技的联系落实为一种合作方式：艺术家提出问题，科学研究提供新的观察条件，观众的选择继续影响观看经验。在强调效率与迭代的城市中，它为尚未确定的结果保留了研究、停留和讨论的空间。

《一根电线杆》位于深圳下梅林改造后的成丰电子厂内，周围是商务酒店、员工宿舍与停车场。物质组以电线杆般的构筑物介入这处边角空间，将城中村里熟悉的工业设施转化为带有未来感的艺术形象。

现场密集的建筑、管线、树木、空调外机与日常活动，为作品提供了观察的起点。装置通过地面抬升、空间分区、条状切口与覆土种植，重新组织这些元素之间的关系；在避让消防车道、既有建筑和管井的前提下，将原本被忽略的区域转化为室外公园。

电线杆是城中村里熟悉的形象，经过尺度与空间关系的重新安排，它成为带有未来感的构筑物。作品保留了场地的工业气息，也通过地形和种植，为人们增加了可以进入和停留的空间。

在邬建安的创作中，人物、生灵与故事不断被拆解、重组，形成介于抽象与具象之间的复杂图像。2026年春，他在意大利国立罗马博物馆戴克里先浴场举办个展“变形记”，以奥维德的同名史诗为线索，将这一创作方法带入古罗马建筑与文物之间。

展览让中国古代神话、庄子“物化”的思想与古罗马叙事相遇。《九重天》呈现万物相互包容、循环生成的宇宙图景；《刑天》表达超越身体毁灭的意志；《天行健—四季奔跑》则以奔涌的形象展现生命力量。变化贯穿作品的形态，也成为理解生命、身份与秩序的方式。

戴克里先浴场中的建筑、雕塑、马赛克与神话图像，参与了作品的意义生成。不同文明对冲突、共生、生命与永恒的理解在同一现场展开，观众也在宏大的整体与细微的形象之间反复观看。

“变形记”以具体的图像和历史空间展开跨文化对话。邬建安将神话持续转化为认识当代世界的资源，使差异、重组与变化成为重新理解自我和他者的契机。

风吹动半透明的彩色叶片，颜色在交叠中变化，阳光将移动的色斑投向地面。《八面游戏》让自然力参与作品的形成，也让每一次经过都呈现不同的画面。

2025年9月，大星吉子工作室受邀为北京“永定河集”创作这件公共艺术装置。面对首钢园巨大的工业烟囱与黑色构筑物，团队提取八边形轮廓，将折纸与套叠结合，形成轻盈舒展的空间结构。工业建筑的形态由此被转化为随风变化的彩色叶片，与周围环境产生新的联系。

观众可以走近、穿行、抬头，随着位置改变发现新的色彩组合，自己的身影也会进入流动的光影。作品没有规定单一的参与方式，风、日光与人的移动共同决定它在每一刻的样子。

《八面游戏》将清晰的结构规则与不可预设的自然变化结合起来。在工业遗存与城市生活之间，它创造了一处可以自由进入、观看和停留的场所，让公共艺术通过直接的感官体验与人建立联系。