▲ 展览现场

金色乐园

▲ 展览现场

虽然张勇在作品中大量使用了符号化的形象，但作品整体传达出的情感意义却是远高于符号语言的象征意义。张勇形容自己情感的经历和思考如同一道药引，为他开启了一个自由的创作天地。运用可爱的造型符号、尖刺包裹、和黄金表面的视觉语言组合，她仿佛进入了“无极”的状态，生活中所有的际遇和感受都变成了创作的动力。于是，涵盖了童年、权力、环保等人生百态主题，但都同样充满了矛盾的距离的一系列创作诞生了。

在作品的表现中，除去对于微妙矛盾状态的捕捉，张勇同样注重的是造型中对于自然状态和生命力对现实的呼应。在尝试了基于钢钉、玫瑰花刺等的尖刺设计后，最终具有自然生长弧度的榴莲吸引了他的目光。由此，虽然被金色颜色包裹，雕塑形象却能流畅地通过不同部位疏密不一的尖刺排列展现出形象的细节。

正是这样缜密和严谨的研究和创作方式奠定了张勇对视觉表达的娴熟掌控力，也使张勇的作品不仅充满了思辨性和细腻的情感，更形成了自己独特的——自然不浮夸但也同样不失强烈锋芒感的——视觉语言，策展人苏芒如此解读。

在19世纪初，荷兰现代字体设计师彼得·比亚克（Peter Biľak）通过将传统印刷字体中的粗细笔划的对换，创造了逆反差（reverse contrast）字体。这种处处与传统审美“作对”的字体却以它夸张的表现力和视觉冲击力迅速成为了平面设计元素中的新宠。

同样是充满了矛盾所带来的冲击力，也同样充满了对传统艺术审美的反抗，策展人苏芒认为“逆反差”这一抽象概念也正是对张勇作品，甚至整个潮流艺术的最好形容。

潮流艺术是流行趋势和文化的艺术表达。张勇虽并不为自己的作品归类定义，但其作品中大量出现的当代流行元素却使他的作品充满了潮流性。他用风靡全球的米老鼠玩具泰迪熊的形象象征童年，用考拉和北极熊呼应全球变暖和气候问题，用皮卡丘指代动漫文化中反叛的一面。

▲ 展览现场

时事的母题和印刻在大众流行文化中的形象使作品和观众的沟通成本降到了最低，帮助潮流艺术家有力而高效地表达，但这些在传统艺术审美中并不常出现的形象也同样冲击着我们对艺术的定义。到底是艺术还是玩具，新的思潮还是艺术的死亡？对潮流艺术的质疑从未停歇。

反观历史，大众文化在艺术中的介入其实早有渊源。早在1960年代，安迪·沃霍尔（Andy Warhol）便开始将目光移向大众商品和流行偶像。从最初的可口可乐和名人丝网印刷肖像到后期的《神话》系列，沃霍尔将属于一个时代的流行形象转变为了艺术表达的载体，也将艺术融入的大众文化的视野。而同样，这样诞生在抽象表达主义盛极一时的年代的流行艺术也受到了艺术批评家强烈的攻击。

而当今天的我们再次回首，沃霍尔的艺术无疑是从已经高度哲学化和理论化的当代艺术打开一道新的窗口。他以大众的视角为一个时代留下了印记，也成为了艺术史中以大众对抗精英审美的化身。

苏芒将今天的潮流艺术和曾经同样被《芭莎》杂志发现为插画师的安迪·沃霍尔相比，看到了身处在这样审美反差中的潮流艺术。她将潮流艺术看作当代艺术融入生活的现象，也格外强调其在当代严肃艺术背景下与众不同的大众属性和无可避免的反差。

新的思潮如同一股反叛的力量，逆行于一个时代的艺术审美反差中。而逆行于严肃艺术背景中的潮流艺术正是这样的一股力量。而今天的我们，似乎也能透过历史的痕迹看到潮流艺术背后巨大的潜力和时代意义。

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除艺术家张勇之外，此次展览的另一个焦点无疑落在策展人苏芒身上。虽然作为前《时尚芭莎》主编，如今又活跃在各大综艺节目和访谈节目的“时尚女魔头”，苏芒其实并非大众所认为的跨界策展人。早在2011年的《芭莎艺术》时期和两年前开始与共同艺术中心的合作中，苏芒便开始活跃于当代艺术领域。

此次，凤凰艺术对话苏芒，由她的艺术经历谈起，进一步解读这次展览。

▲ 策展人苏芒于展览现场

此次策展为什么选择张勇的作品？

我为什么选择张勇，就是因为张勇的艺术里有那种“可可爱爱萌萌哒”，这是当代年轻最想要的一种感受，我们的生活是压力这么大，我们的生活半径越来越局促，所以我们需要一种释放、一种拥抱。所以，我觉得所有人看到了他的作品首先一定会喜欢。

但是同时，这些作品里的反差是极度冲突的：最柔软的东西，萌萌的，你会想抱抱，但是一旦靠近，就会是刺痛的。张勇从自己的情感经历出发，他说他一直在思考，爱情的核心到底是什么，每当一个人爱想靠近的时候，不由自主的就会伸出来很多刺，让爱人不能够亲密相拥。这里有一种“青春的刺痛”，从他的作品中我们也能感受到这里面有很深的情感，我觉得一个真诚的艺术作品。

张勇和他的作品都非常令人难忘。他美院出身，身上有内敛的部分，但作品是有锋芒的，和他学院派的教育有反差。他的创作是认真严谨的。有充分的理论依据、思维逻辑和创作的结构性思维。这是一个很重要的基本功，能帮助一个艺术家走得更远。从这点上，我也认为张勇非常特别。

对于情感力量这么大的作品，最终为什么选择了“逆反差”这个词来作为展览的标题？

“青春的刺痛”是表现在情感层面的，但“逆反差”非常具有现在的时代性，同时也隐含了“刺痛”的感受。虽然它是一个19世纪标语化的概念，但是我认为这个概念内涵很深刻的思考，就是我们真正创造、颠覆都是从这个社会相悖的。

当我们开始接受一个新的事情的时候，无论是当年的卢浮宫修建贝聿铭先生的玻璃金字塔，还是一个女性脱掉小脚，还是杜尚的小便池能不能进入艺术博览会，都是一个逆反差的刺痛，这样的刺痛是非常强的，是完全和你唱反调的。但是要相信时间，这个冲突本身是有意义的。

人们往往站在自己的立场和已有的经验上去看待问题。但我想，一个人要想永远年轻，心态要永远拥抱新的东西，甚至是一些给你带来刺痛的东西。这些刺痛的东西带来的益处是新的反思。许多人在刺痛的时候放弃了，但是张勇没有放弃，他因为刺痛才反思，去创造。

▲ 展览现场

所以在您眼中，潮流艺术也是当今世界的一股“逆反差”？

有的人认为潮流艺术是艺术，有的人认为这是装饰。但只要被讨论，就是好事情，说明我们产生了反差，我们开始产生了顺逆关系，这是最重要的。

今天的艺术发生了变化，艺术开始更强的占有了我们的世界，有了新的延伸，进入了游戏、虚拟的世界。我们的生活中所有的一切都被艺术化了。我们可以看到潮玩、潮流艺术。所以大概是在2年前我和共同艺术空间不谋而合，我希望在新的时代，我们可以推进和倡导一些潮流艺术。

这些潮流艺术里有很深的时代印记，你会看到很多我们时代的符号，在这种艺术作品中会频繁的出现，不再是空对空的一种虚拟，它不仅仅是艺术家头脑里的，这些有识别图像的艺术会唤醒、建立了一个新的媒介。比如说皮卡丘，当它成为一代年轻人童年回忆的指代时，它便成为了是一种媒介，让艺术家和公众变得非常容易得到沟通。所以我认为新型的艺术它之所以称为潮流并非是因为它是街头或一种创新的必要性，实际上它正在把我们最熟悉、和我们所喜爱的，作为一种最容易接触的介质，之后再探讨共同的思考。

所以潮流艺术让艺术家的解释成本变低了，让艺术的思想能体现的、反观到受众内心的效果变高了，因此潮流艺术也将艺术可以扩展的边界变宽了。

作为跨界策展人，您怎样看待这种新身份？

其实从收藏、到后来的《芭莎艺术》再到现在的策展人，我一直在努力用艺术赋能许多其他的行业，所以并不算完全的跨界策展人。

▲ 展览现场

在当下的时代，我们在生活中能不能感受到艺术，在艺术中能不能感受到生活的启迪，都是人们去看一件艺术作品、看一个展览的意义所在。我认为，现在越来越多的艺术展览和艺术媒体替代了曾经艺术杂志、评论，其实他是给了人们一个面对面思考的通道。以前没有那么多的展览，我们每个人只能通过某些媒体、教材，教育才能接触到艺术。但今天艺术是自由开放的，是多元的，是和我们的生活链接更近的。

也是因为这些原因，我改变了我与艺术接触方式。今天，从策展人的角度来讲，我希望帮助职业艺术家找到更好的生活条件、创作条件，所以我们必须力挺年轻艺术家，让他们可以通过创造来过上更好的生活，让更多年轻的艺术家被看到。另外，我也希望能让这些展览和作品使更多的年轻人热爱艺术，参与艺术。

所以您认为当代艺术是一个不断在融入其他行业的状态吗？

是的。先说个我认同的趋势。在2011年开始做《芭莎艺术》时我们有一个想法，就是艺术怎么能进入大家的生活。艺术进入生活一定不是功能化的，一定是精神的，是能启迪生活的。艺术不只是美，美是艺术的一支，但是还有创造力、想象力，艺术是想象力的外化。艺术的手法对世界重新的——因为人因为人会用艺术的手法，去创造一个属于人类思想的一个世界。

所以，我也一直希望和艺术同行一起努力，阐述出我们可以让艺术无处不在。比如前一阵我参加“桃花坞”，我们也在那里创作艺术大道、行为艺术、艺术涂鸦。艺术正在像现在一切一样，变得年轻化、多元化，不是说艺术的门槛变得越来越低了，而是人们对于艺术的胸怀越来越大了。

我们同样应该对艺术的胸怀变越来越大，不是区分一件艺术品是否是艺术，而是明白艺术家的创作不是一蹴而就的，包括艺术家完成自己的一个语言体系、一个概念，一个理念和体系，这是很长时间的过程。我希望建立一个更好的时代，让所有人都能够展示自己有没有能力去参与艺术，去体验艺术，理解艺术，甚至有一天去创造艺术。

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